samedi 18 novembre 2017

REMY: The Return of Planet X (2017)

“This is  what I call a real masterpiece in contemporary EM with a right balance between the orchestral and electronic instruments”
1 Movement I: Orbits of Planets 11:48
2 Movement II: Apogee 6:55
3 Movement III: Nibiru's Orbit 13:05
4 Movement IV: Anunnaki 11:38
5 Movement V: Perigee 15:47
6 Movement VI: Nibiru Cataclysm 12:40

Deserted Island Music | DIM-006 (CD 74:06)
(Netherlands School, Schulze circa 85-90)

For most great pleasure of my ears, Remy has hung his feet in the digital era of Klaus Schulze from 85 to 90. Therefore, his music oscillates slowly between the long nightmarish corridors of the endless nights and the structures of rhythms which refuse any abdication. Recorded during a concert where all the fans of Remy and Ron Boots, because he was there, would have liked to be, “The Return of Planet X” is a full work which joins the strongest opuses of the contemporary EM. This delicious duel between symphonic music, freed here by stringed instruments, grand piano and a choir, and electronic music was recorded in front of public on May 19th, 2012 at the Grote of St.Bavokerk in Haarlem, The Netherlands. Conceived and composed according to the observations of Remy Stroomer on the theories and the prophecies of the Mayas people who predicted a global cataclysm in 2012, the music of “The Return of Planet X” remains charmingly frozen in time, a little as if the Dutch musician is still roaming again and again in the labyrinths of his incomparable Exhibition of Dreams. Except that for the 1st time since Different Shades of Dust, realized in 2004, Remy succeeded in making up a work which survives to Exhibition of Dreams which, let's remind it, was written in 1999. A very solid opus which deserves amply its place on the high walking of the EM temple.
"Movement I: Orbits of Planets" puts us at once in the moods with a delicious slow introduction. The movements of the violins from Dick Bijlsma and Wouter de Ruyter and of the cello by Martine de Ket are like some long anesthetic sighs which extend these shadows of worry which are for several of us of the purveyors of insomnia. There is a binary complex in these harmonies with a violin which cries with a higher octave. Somber, this movement explains all the power of Remy to create ambiences tinted by the Gothic romances of the darkness! Lost steps in these tears organize the genesis of a quiet rhythm which little by little exhorts the electronic percussions to flirt with the latent liveliness of the sequencer. It's around these slow and minimalist structures that the creativity of Remy Stroomer reaches his pinnacles The Dutch musician multiplies the percussive effects which lean against a structure built on the bases of the sequencer to which are grafted a panoply of groans and frozen arias which are drawn from the depth of his synths and, when possible, in the slow impulses of the stringed instruments. From uncertain to zigzagging, the structure of "Movement I: Orbits of Planets" reaches a good mid-tempo which aims a techno for amorphous souls with the addition of good bass pulsations and the electronic percussions a little more freed from the rigidity of the Kraftwerk style. With its series of 3 chords lost in the mist, "Movement II: Peak" exploits an approach a little more in the psybient vibes. Strange organic murmurs escort this solitary walking towards God only knows where. The stringed instruments weave a surrealist decoration that a synth supports with good solos. It's a segment in the career of Klaus Schulze which wasn't exploited a lot by the latter. And Remy is paying back, note for note, the rights to the German master of ambient and suspenseful music between his 85 to 90 years. While the chant of a real choir adds to the weight of the alarming immoderation, an avalanche of percussions comes down on "Movement II: Peak" a little before the door of 5 minutes, forging a tumult in the quietness with a spasmodic breakdown. When the tragic and the upheaval meet!
The choir, very abyssal, entails the finale towards the slow movement of "Movement III: Nibiru's Orbit" which is the witness of an uneven duel between a piano in mode romance for darkness and pretty nervous percussions. The duel escapes in half-time, revealing the charms of a good mid-tempo with sequences and zealous percussions. The orchestrations behind these rhythms of a tribe of a secret and vanished society, and which nevertheless seems quite ahead of us, add a weight of discord with lento movements which are rejected by a meshing of percussions and frenzy sequences. This bipolarity in rhythm and the ambiences continues with "Movement IV: Anunnaki" which reproduces, with nuances and subtleties in the effects and in the chants of the synth's solos, the slow evolutions of the two previous titles. After the mist which follows the explosion of its finale, chords of a synth guitar throw an aura of romanticism to the introduction of "Movement V: Perigee". If some of you are making a link here with the very solid In Blue from Klaus Schulze, you are right on it. The movement encroaches its 16 minutes with a latent velocity. Remy takes good care to decorate each second with organic effects, discords here and there among the stringed instruments and chords which increase the intensity of the music which now approaches a good big evolutionary symphonic electronic rock a bit after the door of 7 minutes. "Movement VI: Nibiru Cataclysm" ends this ode to disaster with a kind of radioactive outdoor Mass. The choir is of sweetness and calms down an opponent in the piano that we hardly hear behind this nuclear veil. A priest recites a hardly whispered homily, a little as if the life which resists is shameful of its survival. The hummings make vibrate my eardrums and remind to me all the intensity of this work which didn't need "Movement VII: After The Deluge" which is a little like the musical prologue of “The Return of Planet X”. That's what I call a real masterpiece in the contemporary EM scene signed Remy. You don't to miss this one!

Sylvain Lupari (November 17th, 2017) *****
You will find a way to buy this album in this Blog about Remy
Pour le plus grand plaisir de mes oreilles, Remy s'est délicieusement accroché les pieds dans la période 85-90 de Klaus Schulze. De ce fait, sa musique oscille doucement entre les longs corridors cauchemardesques des nuits sans fin et des structures de rythmes qui refusent toute abdication. Enregistré lors d'un concert où tous les fans de Remy et de Ron Boots, parce qu’il y était, auraient aimé être, “The Return of Planet X” est une œuvre à part entière qui s'inscrit dans les solides opus de la MÉ contemporaine. Ce délicieux duel entre la musique symphonique, délivré ici par des instruments à cordes, un grand piano et une chorale, et la musique électronique fut enregistré devant public le 19 Mai 2012 à la Grote de St.Bavokerk à Haarlem au Pays-Bas. Composée selon les observations de Remy Stroomer sur les théories et prophéties Mayas qui prédisaient un cataclysme planétaire en 2012, la musique de “The Return of Planet X” reste délicieusement figée dans le temps, un peu comme si le musicien Néerlandais errait encore et toujours dans les labyrinthes de son incomparable Exhibition of Dreams. Sauf que pour la 1ière fois depuis Different Shades of Dust, réalisé en 2004, Remy est parvenu à composer une œuvre qui survit à Exhibition of Dreams qui, rappelons-le, fut composé en 1999. Un très solide opus qui mérite amplement sa place sur les hautes marches du temple de la MÉ.
"Movement I: Orbits of Planets" nous met tout de suite dans le bain avec une savoureuse introduction lente. Les mouvements des violons de Dick Bijlsma et Wouter de Ruyter et du violoncelle de Martine de Ket sont comme de longs soupirs anesthésiants qui étendent ces ombres d'inquiétude qui sont pour plusieurs d'entre nous des pourvoyeurs d'insomnie. Il existe une complexe binarité dans ces harmonies avec un violon qui pleure avec une octave plus haute. Sombre, ce mouvement explique toute la puissance de Remy à créer des ambiances teintées des romances gothiques des ténèbres! Des pas dans ces pleurs organisent la genèse d'un rythme tranquille qui peu à peu exhorte les percussions électroniques à flirter avec la vivacité latente du séquenceur. C'est autour de ces structures lentes et minimalistes que la créativité de Remy Stroomer atteint son zénith. Le musicien Néerlandais multiplie les effets percussifs qui s'accotent à une structure construite sur les bases du séquenceur où se greffent une panoplie de gémissements qui sont puisés dans les interstices de son synthé et, lorsque possible, dans les lents élans des instruments à cordes. D'incertaine à zigzagante, la structure de "Movement I: Orbits of Planets" atteint un bon mid-tempo qui vise un techno pour âmes amorphes avec l'ajout de bonnes pulsations basses et des percussions électroniques un peu plus libérées de la stoicité du style Kraftwerk. Avec sa série de 3 accords perdus dans la brume, "Movement II: Apogee" exploite un peu plus une approche de psybient. D'étranges bruissements organiques accompagnent cette marche solitaire vers Dieu seul sait où. Les instruments à cordes tissent un décor surréaliste qu'un synthé appuie avec de bons solos. C'est un segment dans la carrière de Klaus Schulze qui fut très peu exploité par ce dernier, et Remy donne le change, note pour note, au maître Allemand de la musique d'ambiances et de suspense entre 85 et 90. Alors que les chants d'une véritable chorale ajoutent au poids de la démesure angoissante, une avalanche de percussions s'abat sur "Movement II: Apogee" un peu avant la porte des 5 minutes, forgeant le tumulte dans la sérénité avec une dépression spasmodique. Quand le tragique et la tourmente se rencontre!
La chorale, très abyssale, entraîne la finale vers le mouvement lent de "Movement III: Nibiru's Orbit" qui est le témoin d'un duel inégal entre un piano en mode romance pour les ténèbres et des percussions nerveuses. Le duel s'échappe en mi-temps, dévoilant les charmes d'un bon mid-tempo avec des séquences et percussions frénétiques. Les orchestrations derrière ces rythmes d'une tribu d'une société secrète et disparue, et qui néanmoins semble bien en avance sur nous, ajoutent un poids de discorde avec des mouvements lentos qui sont rejetés par un maillage de percussions et séquences frénétiques. Cette bipolarité dans les rythme et les ambiances se poursuit avec "Movement IV: Anunnaki" qui copie avec nuances et subtilités dans les effets et chants en solos du synthé, les lentes évolutions des deux titres précédents. Après la brume qui suit l'explosion de sa finale, des accords de guitare synthétisée jette une aura de romantisme à l'introduction de "Movement V: Perigee". Si certains d'entre vous font un lien ici avec le très solide In Blue de Klaus Schulze, je vous dirais c'est tout à fait vrai. Le mouvement étale ses 16 minutes avec une vélocité latente. Remy prend bien soin de décorer chaque seconde avec des effets organiques, une discorde dans les instruments à cordes et des accords qui augmentent l'intensité du titre qui aborde un bon gros rock électronique symphonique évolutif un peu après la porte des 7 minutes. "Movement VI: Nibiru Cataclysm" termine cette ode au désastre avec un genre de Messe en plein air radioactive. La chorale est de douceur et calme un piano contradicteur que l'on entend à peine derrière ce voile nucléaire. Un prêtre récite une homélie à peine chuchotée, un peu comme si la vie qui reste est honteuse de sa survie. Les bourdonnements font vibrer mes osselets dans les oreilles et me rappelle toute l'intensité de cette œuvre qui n'avait pas besoin de "Movement VII: After The Deluge" qui est un peu comme le prologue musical de “The Return of Planet X”, un petit chef d'œuvre dans la MÉ contemporaine signée Remy. Un incontournale!

Sylvain Lupari 18/11/2017

A piece of the event

jeudi 16 novembre 2017

SHANE MORRIS & FRORE: Eclipse (2017)

“Eclipse is a solid album of tribal trance and of tribal ambiences with an amazing world of percussions and of strings and winds instruments which team up to build wonderful exotic vibes”
1 Anima 8:50
2 Calling Down the Sun 8:56
3 Feather and Claw 10:33
4 Stone Arch 6:10
5 Shadow Medicine 9:15
6 Nomadic Dreaming 10:47
7 Changing Seasons 8:36
8 A Lonely Path 6:33

Spotted Peccary Music | SPM 9085 (CD/DDL 69:40)
(Tribal ambient soundscapes and tribal beats)
Hoarse, buzzing and powerful! Synth lines rise from the West and rage with a handful of mooing, "Anima" wakes up with some fascinating hummed murmurs, panting of didgeridoo and superb frame drums. The synth lines try as best as possible to pierce out, to say the least to cover, this furious tribal trance with reflections of tranquility. Waste of time! The chants of the desert don't even succeed putting to sleep these fascinating and very lively tom-toms. And this is what my ears and my feet want the most; hear roaring out the percussions which burst out on tense skins. Pursuing this incredible odyssey in the most intriguing aspects on Earth, the duet Morris and Frore brings us towards the fathomless beauties of an eclipse. Between these wild horizons and these states of meditation, the music of “Eclipse” knocks with a tone as lively as the colors of an eclipse and of the wild side of the various observation posts in the wild life. Here, one would imagine to be in full southern jungle with a sonic flora painted by thousand tropical delights and where the dominant percussions tame the bewitching approach of the synths which shine with beautiful colors, like the tail of a god peacock. "Calling Down the Sun" is simply exotic with its lascivious dance introduced by the heat of the synths. The rhythms around this album decuple the exuberant approach of the music. The flutes are as much silky than the shadows of the synths, as in the very beautiful "Feather and Claw" where they sing and even speak to us.
This 2nd get-together of this duet who are sculptor of sounds and ambiences is as much rich in tones and in allochthones percussions, like in the very good
Blood Moon. We find the same diversity in the choice of instruments with didgeridoos, Amerindian and transversal flutes and other instruments of which the charms are entwined with those of synths perfumed by essences of the deserts and of tribal bewitching spirits. The percussions are the key of this album, like in Blood Moon, with rhythms of shamanic trances supplied by djembes and frame drums while the sequencer and the synths add superb percussive effects. "Stone Arch" is a title sculpted around gluttonous elements of ambiences which will abrade your walls. Intense, if one likes a vertical avalanche of sounds! "Shadow Medicine" exploits an ancestor tribal rhythm with effects of flutes and especially some sharp synth breezes which seem to have pierce the sides of a mountain with about ten very tiny holes. The rhythm of "Nomadic Dreaming" is alive as a musical meeting between Steve Roach & Byron Metcalf. The synth layers and the effects of an enchanted forest temperate finally the drawling percussions and the very good percussive effects of Shane Morris on "Changing Seasons". This flora of sounds is a pure delight for those who feed of it! "A Lonely Path" offers a music as much mysterious and uncomfortable as its title indicates it. It's like walking through the woods on an evening of a quiet moon. You know what I mean? And it's a big strength in this album; stick a musical image on the idea behind each title. Among other big strengths, let's note this symbiosis between the electronic elements, I found that Frore (Paul Casper) has a lot of imagination in his palette of sound colors and of sound effects, which are very creative at some points, and the frenzy of the percussions which make a beautiful balance between a more acoustic approach versus the electronic elements, especially the line of bass, propagated by the synths and the sequencer. These synths are rich in emotions while the sequencer is more discreet. The lively rhythms, the fluty melodies and the effects of voices are also small traps of seduction. In brief, “Eclipse” is a solid album of tribal trance and of tribal ambiences which finds as much its reason with a good pair of earphones than freely throughout our loudspeakers in our listening room. A rather rare phenomenon in the industry that the Spotted Peccary label masters since moons. Solid and intense, from "Anima" to "A Lonely Path"!
Sylvain Lupari (November 15th, 2017) *****
Available tomorrow on
Spotted Peccary Bandcamp and web shop

Rauques, bourdonnantes et puissantes! Des lignes de synthé s'élèvent à l'ouest et ragent avec une poignée de mugissements alors que "Anima" s'éveillent avec des fascinants murmures fredonnés, des halètements de didgeridoo et de splendides tambours sur cadre. Les lignes de synthé tentent bien que mal de percer, à tout le moins recouvrir, cette furieuse transe clanique avec des reflets de contemplativité. Peine perdue! Les chants du désert ne réussissent même pas à faire dormir ces fascinants et très enlevants tam-tams. Et c'est ce que mes oreilles et mes pieds veulent le plus; entendre rugir les percussions qui se déchainent sur des peaux tendues. Poursuivant cette incroyable odyssée dans les aspects les plus intrigants sur Terre, le duo Morris & Frore nous amène vers les insondables beautés d'une éclipse. Entre ces horizons sauvages et ces états de méditation, la musique de “Eclipse” frappe avec une sonorité aussi vive que les couleurs d'une éclipse et le côté sauvage des différents postes d'observations en nature sauvage. Ici, on se croirait en pleine jungle australe avec une flore sonique peinte de milles délices tropicaux où percussions dominantes domptent l'approche enjôleuse des synthés qui brillent de mille feux, comme la queue d'un dieu paon. "Calling Down the Sun" est tout simplement exotique avec sa danse lascive initiée par la chaleur des synthés. Les rythmes autour de cet album déculpe l'approche ésotérique de la musique. Les flûtes sont aussi soyeuses que les ombres des synthés, comme dans le très beau "Feather and Claw" où elles chantent et nous parlent.
Ce 2ième rendez-vous de ce duo sculpteur de sons et d'ambiances est aussi riche en tonalités et en percussions allochtones que dans le très bon Blood Moon. On y retrouve la même diversité dans le choix des instruments avec des didgeridoos, des flûtes amérindiennes et traversières et autres instruments dont les charmes sont enchevêtrés avec des synthés parfumés des essences des déserts et d'esprits ensorceleurs tribaux. Les percussions sont la clé de cet album, comme dans Blood Moon, avec des rythmes de trances chamaniques fournis par des djembés et des tambours sur cadre (frame drums) alors que le séquenceur et les synthés ajoutent de superbes effets percussifs. "Stone Arch" est un titre sculpté autour de voraces éléments d'ambiances qui éraflera vos murs. Intense, si on aime une avalanche de sons à la verticale! "Shadow Medicine" exploite un rythme tribal ancien avec des effets de flûtes et surtout de brises acérées qui semblent avoir percer les flancs d'une montagne avec d'une dizaine de trous très minuscules. Le rythme de "Nomadic Dreaming" est aussi vivant qu'une rencontre sonique entre Steve Roach et Byron Metcalf. Les nappes de synthé et les effets d'une sylve enchantée tempèrent finalement les percussions traînantes et les très beaux effets percussifs de Shane Morris sur "Changing Seasons". Cette flore de sons est un pur délice pour ceux qui s'en nourrissent! "A Lonely Path" offre une musique aussi mystérieuse et inconfortable que son titre l'indique. C'est comme marcher à travers les bois par un soir de lune dormante. Vous voyez le genre? Et c'est une grande force dans cet album; coller une image musicale sur l'idée derrière chaque titre. Parmi les autres grandes forces, notons cette symbiose entre les éléments électroniques, j'ai trouvé que Frore (Paul Casper) a beaucoup d'imagination dans sa palette de couleur sonique et d'effets sonores, qui sont très créatifs par endroit, et la frénésie des percussions qui font une belle balance entre une approche plus acoustique versus les éléments électroniques, surtout la ligne de basse, propagés par les synthés et le séquenceur. Ces synthés sont riches en émotions alors que le séquenceur est plus discret. Les rythmes entraînants, les mélodies flutées et les effets de voix sont aussi des petits pièges à séduction. Bref, “Eclipse” est un solide album de transe tribale et d'ambiant tribal qui trouve autant sa raison avec une bonne paire d'écouteurs qu'en liberté à travers nos haut-parleurs dans notre salle d'écoute. Un phénomène assez rare dans l'industrie que le label Spotted Peccary Music maîtrise depuis des lunes. Solide et intense, de "Anima" à "A Lonely Path"!

Sylvain Lupari (15/11/2017)

lundi 13 novembre 2017

DASK: Liquid Decimation (2017)

“Liquid Decimation is another solid offering with some great mid sequencer-based EM from DASK who continues to charm my ears amazed by other gems of the Berlin School style”
1 Morphine 10:38
2 Liquid Decimation 10:42
3 Toxification 9:20
4 Cleanse 6:00
5 The Quiet 3:07
6 Transformation 20:16
7 Pure 2:50
8 Liquid Decimation (Radio Edit) 8:27

DASK Music (71:20)(Berlin School)
Here is a lot of music for DASK in 2017! After a first album, Abiogenesis, which has gone under radars at the beginning of the year, the English synthesist literally seduced me with his first album on label SynGate appeared in April, Electron Utopia. Then a clearly more furious album came about 5 months farther; Messages. And finally, here is “Liquid Decimation”; a 4th album which shows no sign of breathlessness at DASK who promises us moreover very productive beginning of 2018. Third album produce independently and which is available on DASK Bandcamp for small US $5, this 4th opus is of the seed of a good sequencer-based style EM of the retro Berlin School style. The beats are ambient to mid and the album lives mostly through its sequencing patterns and synth effects. There is no, or only few, synth solos. The synth is of used for effects which decorate the ambiences of the colors of the title's name.
Just to put us in the
DASK mood, "Morphine" perfumes our ears with nice layers which float under various sound flavors, among which one with a hollow tone of organ and another one with a suspicion of esotericism. These two lines float with slow morphic movements as intense than anesthetics. A movement of bass sequences escapes in the beginning of 3rd minute, tracing a lively movement which skips with a subtle alternation between each hit of the sequencer and within electronic effects and synth layers which go and come with their clothes of greyness. It's with the dialogue of a synthesizer and spectral synth lines that the title-track makes its entrance. I'm not certain, but I hear shouts or murmurs in an introduction modulated for a fear movie. Moreover, a tenebrous veil installs its reflections of white noises about 80 seconds farther. And it's there that some very Redshift sequences breathe and grumble. A cloud of interferences and of sonic radio-activities irradiate the first minutes of "Liquid Decimation" of this aura wished to well embellished with images the idea behind the album and its title-track. The ambiences are lugubrious. Very lugubrious! A fascinating movement of rhythm gets in towards the 3rd minute with oscillating movements which little by little stick to the heaviness and the fury of the sequencer. This movement skips with its shadows and its reflections of cracklings, tracing a structure which will explode as in the best moments of Redshift. Those are two very solid titles which start well enough this last album of DASK in 2017. Especially that "Toxification" offers a structure which feeds on phases of the first 2 titles, but with a more contemporary tone.
After 2 passages of sibylline moods which are "
Cleanse" and "The Quiet", the very long movement of "Transformation" blows us literally the ears. Its intro drinks of the psychotronic passages of Neuronium with huge synth layers and their effects as disturbing as anesthetic. Very early, a movement of the sequencer draws these soft rhythms where the feeling to rise and to fall, or still to zigzag, in a grotto in order to escape a predator who crumbles the twilights of his big sharp teeth. DASK plays the magician here with parallel movements which inject more dynamism into a constantly evolving rhythmic pattern, so modifying its route and its velocity which will reach its peak with a techno beat towards the finale and where Jean-Michel Jarre infiltrates for the first time David Marsh's influences in his universe mainly indoctrinated by Redshift and by Tangerine Dream. What we have here the best title of DASK. And there was some very good before this "Transformation"! "Pure" is another title of more ethereal ambiences where even lies a delicate sonic poetry, whereas "Liquid Decimation (Radio Edit)", amputated of its moods opening, just gives us the taste to re-hear “Liquid Decimation”. Or still the first albums of DASK who solidifies more and more his position in the vast chessboard of EM of the Berlin School style. Another strong opus to put between our ears, you my friends who just love a Berlin School lively and invigorated by another artist who manages to make his place with a bit of freshness in this universe where even the plagiarism is attractive to the ears of aficionados. Except that with DASK we speak about originality. And "Transformation" is a monster! 

Sylvain Lupari (November 13th, 2017) ****½*
You will find this album on
DASK Bandcamp
Voilà beaucoup de musique pour DASK en 2017! Après un premier album, Abiogenesis, qui est passé sous les radars en début d'année, le synthésiste Anglais m'a littéralement séduit avec son premier album sur étiquette SynGate paru en Avril, Electron Utopia. Puis vint quelque 5 mois plus loin; Messages, un album nettement plus endiablé. Et finalement, voici “Liquid Decimation”; un 4ième album qui ne montre aucun signe d'étouffement chez DASK qui nous promet d'ailleurs un début d'année aussi productif. Troisième album produit sous sa bannière et disponible sur son site Bandcamp pour un petit 5$ US, ce 4ième opus est de la graine d'une bonne MÉ de style Berlin School rétro. Les rythmes vont de ambiants à mid-tempo avec de bons élans et l'album vit principalement à travers ses rythmes séquencés et ses effets de synthé. Il n'y a pas ou peu de solos. Le synthé est utilisé pour les effets qui décore les ambiances des couleurs du nom du titre
Histoire de nous mettre dans l'ambiance
DASK, "Morphine" parfume nos oreilles avec de belles nappes qui flottent sous différents parfums soniques, dont une à la tonalité d'orgue caverneuse et une autre avec un soupçon d'ésotérisme. Ces deux lignes flottent avec de lents mouvements morphiques aussi intenses qu'anesthésiants. Un mouvement de basses séquences s'échappe en début de 3ième minute, traçant un mouvement vif qui sautille avec une subtile alternance entre chaque coup dans des effets électroniques et des nappes qui vont et viennent avec leurs habits de grisaille. C'est avec un dialogue de synthétiseur et des lignes d'un synthé spectral que la pièce-titre fait son entrée. Je ne suis pas certain, mais j'entends des cris ou des murmures dans une introduction modulée pour un film de peur. D'ailleurs, un voile ténébreux installe ses reflets de bruits blancs quelque 80 secondes plus loin. Et c'est à cet endroit que des séquences très Redshift respirent et grognent. Un nuage d'interférences et de radioactivités soniques irradient les premières minutes de "Liquid Decimation" de cette aura désirée afin de bien imagé l’idée derrière l’album et sa pièce-titre. Les ambiances sont lugubres. Très lugubres! Un fascinant mouvement de rythme se met en marche vers la 3ième minute avec des mouvements oscillants qui peu à peu se collent à la lourdeur et la rage du séquenceur. Ce mouvement sautille avec ses ombres et ses réflexions de grésillements, traçant une structure qui explosera comme dans les meilleurs moments de Redshift. Deux très bons titres qui démarrent assez bien ce dernier album de DASK en 2017. D'autant plus que "Toxification" offre une structure qui se nourrit des phases des 2 premiers titres, mais avec une sonorité plus contemporaine.
Après les 2 passages d'ambiances sibyllines que sont "
Cleanse" et "The Quiet", le très long mouvement de "Transformation" nous souffle littéralement les oreilles. Son intro s’abreuve des passages psychotroniques de Neuronium avec de larges nappes de synthé aux effets aussi inquiétant qu’anesthésiant. Très tôt, un mouvement du séquenceur trace ces rythmes mous où l'impression de monter et de descendre, ou encore de zigzaguer, dans une grotte afin d'échapper à un prédateur qui émiette les pénombres de ses grandes dents acérées. DASK joue au magicien ici avec des mouvements parallèles qui injectent plus de dynamisme à un pattern rythmique en constante évolution, modifiant ainsi son trajet et sa vélocité qui atteindra son point culminant avec un beat techno où Jean-Michel Jarre infiltre pour la première fois les influences de David Marsh dans son univers principalement endoctriné par Redshift et Tangerine Dream. Nous avons ici le meilleur titre de DASK. Et il y en avait de très bon avant ce "Transformation"! "Pure" est un autre titre pour ambiances plus éthérées où niche même une délicate poésie sonique, tandis que "Liquid Decimation (Radio Edit)", amputé de son ouverture d'ambiances, nous donne juste le goût de réentendre “Liquid Decimation”. Ou encore les premiers albums de DASK qui solidifie de plus en plus sa position dans le vaste échiquier de la MÉ de style Berlin School. Un autre solide opus à se mettre entre les oreilles, amis amateurs de Berlin School vivant et vivifié par un autre artiste qui réussit à faire sa place avec un brin de fraîcheur dans cet univers où même le plagiat est séduisant aux oreilles des aficionados. Sauf qu'avec DASK on parle d'originalité. Et "Transformation" est un monstre!
Sylvain Lupari 13/11/2017
Liquid Decimation (Radio Edit)

dimanche 12 novembre 2017

JOHAN TRONESTAM: Luther (2017)

“Luther is yet another excellent album of Johan Tronestam who never stop to amaze which will please undoubtedly the fans of Michael Garrison and Jean-Michel Jarre”
1 Chosen 8:12
2 Bad Feelings 8:42
3 To Rome 7:48
4 Come Closer 8:32
5 Conflict 7:16
6 Excommunicated 12:46
7 The Liberation 7:30
8 Legacy 7:42

SynGate | CD-rJT05 (CD-r/DDL 68:00)
(French School Cosmic Rock)
I'm listening on a loop this “Luther” since almost one week now and I’m still amaze by the quality of the compositions and the structures of rhythms of this last opus of the Swedish musician. Introduced on the life of the Augustin monk Martin Luther, Johan Tronestam did an in-depth piece of research on the one who established the bases of the Protestant reformation which was adopted by the Lutheran Churches and by ricochet, and in its major principles, by the other Protestant Churches. Set apart the idea behind the music, which actually gets cover at some places of a pastoral veil with layers of ethereal voices and with some esoteric passages, Johan Tronestam hasn't reform at all his approach. “Luther” is built on catchy rhythms. The sequencer and the electronic percussions live very well together while the decoration always remains closer to celestial bodies that of the Earth. The cosmic ambiences of the French School dominate, moreover the sonic prose is not far from the romantic fragrances of France, whereas the synths sculpture sound pleasures which are truly the first symbols of EM.
A series of bass sequences shapes a sort of Amerindian tribal dance of which the hypnotic approach waddles under rumblings of a sky on the edge of the explosion.
Johan Tronestam gives the kick-off to his last opus with a structure built on the vitality of his sequencer. A shadow of the beat gets loose slowly from the primary movement of "Chosen" in order to dance on another pace. Already this subdivision of the rhythm excites my sense of hearing that the synth illuminates the ambiences with melancholic laments. Thunders still rumble when the rhythm spreads its tentacles with two lines of akin sequences and another which changes the dynamic with an organic approach as well as percussions in mode; bombard me a tiny techno for zombies. A bass line adds more fluidity to the rhythm that Tronestam seasons with attractive electronic effects, layers of voices and synth solos of more harmonious than acrobatic. And our neck rolling on this lively rhythmic pattern, "Chosen" enhances its seduction with a good harmonious approach which finds its place in its 2nd half. One finds on this track all the ingredients and the approaches which connect to the 60 other minutes of “Luther”, making of it a very good album of spacey electronic rock. "Bad Feelings" begins its onset towards our ears with an introduction knotted around the mystery. But this series of fascinating panting is short-lived because the ambiences are fading away when a lively structure of rhythm spits a good electronic rock. This is a very lively beat interweaved around spasmodic jerks and supported by other electronic percussions, without ornaments, as well as voracious keyboard keys where our hips roll faster than the neck. Besides of its cosmic effects, the synth is very good with its outfit of creative solos which float, sing and make ethereal twists. "To Rome" shows another Johan Tronestam's facet with the use of a vocoder. The rhythm is furtive, almost dramatic and intense, in its static spiral which turns between the 4th and the 5th minute into a cosmic mid-tempo with sequences and more active percussions. And as usual in the Tronestam style, the synth crowns this rhythmic ascent with other good solos. After its very cinematographic introduction, where stroll others very good synth solos which pushes the whole thing with an octave higher, "Come Closer" rushes towards our ears with a cosmic rhythm structured on fluid sequences and effects which belong more to the signature Tronestam than that of Jean-Michel Jarre. It's a very good staging for the synth which doesn't stop to amaze my ears with very good harmonious solos. "Conflict" possesses all the ingredients necessary for a hit which would play in loops on any FM radio, like those hits from Jarre in his era of Oxygene to Rendezvous. The rhythm is animated by a nice meshing of sequences and seductive percussive effects. Voices murmur in the background and even sing a melody which hooks on the first listening while the cosmic effects and the harmonies of the synth suit very well to the pace. Solos? Effective and in the note! A very good piece of music. "Excommunicated" fits great to the idea behind its title with a somber and very esoteric introduction. A slow rhythm extricates itself from these ambiences a little after the point of 2 minutes. It adopts a soft romantic phase with a kind of smooth ride in the world of sequences and synthesizers and a crescendo which is carefully smothered by good electronic effects and a synth to the melancholic melody. "The Liberation" is certainly the 2nd hit of this album. The rhythm is slow and of an attractive languor which incites us to the dance. Always so skillful in the art to create melodies for which we whistle easily, Johan Tronestam reaches a level of excellence with this one which is as much catchy than the pace of the music. Brilliant! "Legacy" concludes this Johan Tronestam's excellent album with a slow beat, like another soft ride but this time without greater swiftness, where effects and cosmic mists dominate in a sonic decoration which equals that of the opening track.
Luther” is another Johan Tronestam's strong opus which will please undoubtedly the fans of Michael Garrison and Jean-Michel Jarre for the cosmic perfumes. But the rhythms and the solos! They are delicious from A to Z with this touch, in particular at the level of the rhythmic design where everything is alike but nothing is similar, unique to Johan Tronestam. And if the Swedish musician was around the EM scene at the same time than of Jarre and Garrison, one would speak about him today like we speak about them at the moment. To put on your buying list…
Sylvain Lupari (November 12th, 2017) ****½*
You will find this album on
SynGate Bandcamp

J'écoute ce “Luther” en boucle depuis près d'une semaine maintenant et je n'en reviens toujours pas de la qualité des compositions et des structures de rythmes de ce dernier opus du musicien suédois. Initié sur la vie du moine augustin Martin Luther, Johan Tronestam a fait un travail de recherche en profondeur sur celui qui a fondé les bases de la Réforme protestante qui fut adoptée par les Églises luthériennes et par ricochet, et dans ses grands principes, par les autres Églises protestantes. Mise à part l'idée derrière la musique, qui effectivement se couvre par endroits d'un voile pastoral avec des nappes de voix éthérées et des passages ésotériques, Johan Tronestam ne réforme en rien son approche. “Luther” est construit sur des rythmes accrocheurs. Le séquenceur et les percussions électroniques vivent bien ensemble alors que le décor reste toujours plus près des astres que de la Terre. Les ambiances cosmiques de la French School dominent, d'ailleurs la prose sonique n'est pas bien loin des fragrances romanesques de la France, tandis que les synthés sculptent des plaisirs soniques qui sont les premiers symboles de la MÉ.
Une série de basses séquences moulent un genre de danse tribale amérindienne dont l'approche hypnotique se dandine sous des grondements d'un ciel sur le bord de l'explosion. Johan Tronestam donne le coup d'envoi à son dernier opus avec une structure construite sur la vitalité de son séquenceur. Une ombre se détache doucement du mouvement primaire de "Chosen" pour danser sur un autre tempo. Déjà cette subdivision du rythme attise l'ouïe que le synthé illumine les ambiances avec des complaintes mélancoliques. Les tonnerres roulent encore lorsque le rythme étend ses tentacules avec deux lignes de séquences contiguës et une autre qui change la donne avec une approche organique ainsi que des percussions en mode pilonne-moi un petit côté techno pour zombies. Une ligne de basse ajoute plus de fluidité au rythme que Tronestam assaisonne avec de séduisants effets électroniques, des nappes de voix et des solos de synthé plus harmoniques qu'acrobatiques. Et notre cou roulant sur cette rythmique entraînante, "Chosen" rehausse sa séduction avec une belle approche harmonieuse qui trouve sa place dans sa 2ième moitié. Nous trouvons ici tous les ingrédients et les approches qui se connectent aux 60 autres minutes de “Luther”. "Bad Feelings" débute son amorce vers nos oreilles avec une introduction nouée autour du mystère. Mais cette série de fascinants halètements est de courte durée puisque les ambiances s'évaporent lorsqu'une structure de rythme entraînante crache un bon rock électronique. Un rythme vivant tressé par des saccades spasmodiques et soutenu par d’autres percussions électroniques sans ornements ainsi que des accords de clavier voraces où les hanches roulent plus vite que le cou. Hormis les effets cosmiques, le synthé est très bon avec sa panoplie de solos créatifs qui flottent, chantent et font des torsades éthérées.
"To Rome" montre une autre facette de Johan Tronestam avec l'utilisation d'un vocodeur. Le rythme est furtif, à la limite dramatico-intense, dans sa spirale statique qui débloque entre la 4ième et la 5ième minute en un mid-tempo cosmique avec des séquences et des percussions plus vivantes. Et, fidèle à la signature Tronestam, le synthé couronne cette ascension rythmique avec d'autres bons solos. Après son introduction très cinématographique, où flânent d'autres très bons solos d'un synthé qui pousse le tout avec une octave plus haut, "Come Closer" court vers nos oreilles avec un rythme cosmique structuré sur des séquences fluides et des effets qui arborent plus la signature Tronestam que celle de Jean-Michel Jarre. C'est une très belle mise en scène pour un synthé qui ne cesse d'épater mes oreilles avec de très bons solos harmonieux. "Conflict" possède tous les ingrédients nécessaires à un hit qui passerait en boucles à la radio FM, au même niveau que les hits de Jarre aux époques Oxygène à Rendezvous. Le rythme est vivant avec un beau maillage de séquences et de bons effets percussifs. Des voix murmurent en arrière-plan et chantent même une mélodie qui accroche à la première écoute alors que les effets cosmiques et les harmonies du synthé cadrent bien avec la cadence. Les solos? Efficaces et dans la note! Un très bon titre. "Excommunicated" épouse l'idée derrière son titre avec une sombre introduction très ésotérique. Un rythme lent s'extirpe de ces ambiances un peu après la barre des 2 minutes. Il adopte une douce phase romantique avec un genre de chevauchée dans le monde des séquences et synthétiseurs et un délicat crescendo qui est soigneusement étouffé par de bons effets électroniques et un synthé à la mélodie mélancolique. "The Liberation" est certes le 2ième hit de cet album. Le rythme est lent et d'une séduisante mollesse qui nous incite à la danse. Toujours aussi habile dans l'art de créer des mélodies que l'on siffle aisément, Johan Tronestam atteint un niveau d'excellence avec celle-ci qui est aussi accrochante que le rythme de "The Liberation". Brillant! "Legacy" conclût cet excellent album de Johan Tronestam avec une rythmique lente, comme une autre douce chevauchée mais cette fois-ci sans vélocité accrue, où effets et brumes cosmiques dominent dans un décor égal à la pièce d'ouverture.
Luther” est un autre solide opus de Johan Tronestam qui plaira assurément aux fans de Michael Garrison et de Jean-Michel Jarre pour les parfums cosmiques. Mais les rythmes et les solos! Ils sont délicieux de A à Z avec cette touche unique, notamment au niveau de la conception rythmique où tout se ressemble mais rien n'est pareil, à Johan Tronestam. Et si ce musicien suédois avait été de l'époque de Jarre et de Garrison, on parlerait de lui aujourd'hui comme on parle d'eux en ce moment. À mettre dans sa liste…
Sylvain Lupari 11/11/2017

jeudi 9 novembre 2017

JOHAN TRONESTAM: Space Collection (2017)

“Following his last 2 albums on cosmic themes, Johan Tronestam offers what he knows best; a good collection of lively beats beneath great synth plays and effects”
1 Redshift 8:27
2 Distance 8:14
3 Next Steps 7:30
4 A Ninth Member 7:20
5 Neptune 8:36
6 Arthur's Journey Continues 9:14
7 The Change 7:58
8 Deep Field 7:04
9 Pulsar 6:04
10 The Viewer's Mind 7:57

Johan Tronestam Music (DDL 78:25)
(French School Cosmic Rock)
It's with percussive effects that bang with the precision of a metronome as big as a clock wall that "Redshift" gets opening. Effects sizzling and reverberating, conceived with an organic touch, as well as hollow breezes feed the abstruse vibes, whereas a line spreads a harmonious approach which spins and floats like a sheet taken between two layers of wind. A like of sequences over another one, "Redshift" develops a slow rhythm on which gets grafted a melody blown by a dreamy synth. And throughout these fine nuances in this structure which limps with promptness, the synth weaves veils of sound effects and sculpts good solos in the 2nd part which accompany a rhythmic pattern became more convincing. Flirting on Jean-Michel Jarre's harmonious momentums and the dynamism of sequenced rhythms as Chris Franke knew so well how to build in the 70's, Johan Tronestam and his “Space Collection” has gone slightly under radars during its release last June. It's just so baffling! Composed on the heels of Arthur Went Above the Clouds, this album develops structures of rhythm which are alike and which are not exactly similar in a cosmic environment which seduces more and more since The Long Journey's release. On that purpose, this collection of 10 tracks clocking an average of 8 minutes ends this trilogy, dedicated to his father, commenced by this album in 2016. And the music here inhales the main lines of these two albums with atmospheres sewn in an unlimited imagination and which draws its resources from the secrets of cosmos. And the rhythms! Sometimes slow and sometimes livened up of a marathon runner's pace, they remain polyphased with binary and creative movements of the sequencer which, hung onto sober electronic percussions, become some real addicting treasures. This is some very good Johan Tronestam!
After an introduction stolen in elements of cloudiness, "
Distance" offers a good structure of rhythm built on a movement of alternation from the sequencer. This rhythm skips with a beautiful fluidity on where insert good nuances. The synth multiplies the effects, which are rather in the spectral genre or a horror movie, and reserves us some good solos towards finale with a touch very Jean-Michel Jarre who is a strong source of inspiration for the Swedish musician. Simple, lively and effective, one hooks on the very first listening! We can say the same thing of "Next Steps", which offers a slightly more lively rhythmic while the synth is more in mode; decorate your environment with effects of esotericism. Survivor of an introduction of breaths and hollow breezes, the structure of "A Ninth Member" makes varied the rhythm of the sequencer in mode lento. Lascivious and mesmerizing, with these layers of mists blown by these breezes from the void, the rhythm gallops pleasantly with a little more excitement before heading towards a finale slightly too hasty. Ambient with light rhythmic breezes, the music of "Neptune" reflects faithfully a sound decoration to which get fed our imagination. It's not too ambient! The rhythm is slow and floating, while the layers of ambiences are dividing the galactic effects from the layers of faded voices. The longer title of “Space Collection”, "Arthur's Journey Continues" extricates itself from its dense cocoon of ambiences to offer a good mid-tempo wrapped up in cosmic elements. The IDM style is not really far from this title. "The Change" is another one very good title. Its rhythm starts point A to point Z. Layers of voices caress the hybrid movement of the sequencer, which is well supported by sober electronic percussions, while the synth loosens good harmonious solos that we can whistle with ease. And if the effects of cosmic gases are appreciated, those of stroboscopic felted elements are just as much. The movement of "Deep Field" is situated between "Distance" and "A Ninth Member" in a livelier and steady proportion. And no introduction of ambient elements. But the primary charm of this title is situated in its very melodious approach. It's the kind of thing which sticks deeply in our ears, while the cosmic effects and its very big diversity reminds us of the ingenious moments of Jean-Michel Jarre. "Pulsar" also succeeds in getting loose from other structures of rhythm with a mid-tempo which flirts with an up-tempo. Some great IDM here! Johan Tronestam offers beautiful harmonious phases whereas the structure of rhythm gets organized to charm us even more with developments always so attractive. It's doubtless the most sober title of “Space Collection” which ends with "The Viewer's Mind" and its energetic approach which plunges us literally into what Jarre should have done right after Magnetic Fields. Albeit that I really enjoyed Zoolook up to Chronologie. And nobody would say that the French synthesist doesn't evolve, whereas Johan Tronestam is at ease with these structures that are alike and which nevertheless dissociate one from the other.
With a little more boldness and creativity in the way of developing these electronic rhythms,
Johan Tronestam always manages to unite his fascinating rhythms with ambiences and melodies which surprise and seduce constantly. A very good album of poetic and romanced cosmic rock of the French School style.

Sylvain Lupari (November 9th, 2017) *****
You will find this album on Johan Tronestam Bandcamp
C'est avec des effets percussifs qui cognent avec la précision d'un métronome aussi gros qu'une horloge mural que s'ouvre "Redshift". Des effets grésillant et réverbérant, conçus avec une touche organique, ainsi que des brises caverneuses nourrissent des ambiances absconses, tandis qu'une ligne étend une approche harmonique qui virevolte et flotte comme une feuille prise entre deux couches de vent. Une ligne de séquences par-dessus une autre, "Redshift" élabore un rythme lent où se greffe une mélodie soufflée par un synthé rêveur. Et au travers ces fines nuances dans cette structure qui clopine avec empressement, le synthé tisse des voiles d'effets sonores et sculpte de bons solos en 2ième partie qui accompagnent une rythmique devenue plus convaincante. Flirtant sur les élans harmoniques de Jean-Michel Jarre et le dynamisme des rythmes séquencés comme Chris Franke savait si bien le faire dans les années 70, “Space Collection” a passé légèrement sous les radars lors de sa parution en Juin dernier. C'est à n'y rien comprendre! Composée dans la foulée de Arthur Went Above the Clouds, cet album développe des structures de rythme qui se ressemble et se distance dans un environnement cosmique qui séduit de plus en plus depuis la parution de The Long Journey. À cet effet, “Space Collection” termine cette trilogie, dédiée à son père, amorcée par cet album en 2016. Et la musique ici respire les grandes lignes de ces deux albums avec des ambiances cousues dans une imagination sans bornes et qui puise ses ressources dans les secrets du cosmos. Et les rythmes! Tantôt lents et tantôt animés d'une vie de marathonien, ils restent polyphasés avec des mouvements de séquences binaires et créatifs qui, accrochés à de sobres percussions électroniques, deviennent de véritables trésors addictifs. C'est du très bon Johan Tronestam!
Après une introduction cousue dans des éléments de nébulosité, "Distance" offre une bonne structure de rythme construite sur un mouvement d'alternance du séquenceur. Ce rythme sautille avec une belle fluidité où s'insèrent de bonnes nuances. Le synthé multiplie les effets, qui sont plutôt dans le genre spectral ou film d'épouvante, et nous réserve quelques bons solos vers la finale avec une touche très Jean-Michel Jarre qui est une forte source d'inspiration pour le musicien Suédois. Simple, entraînant et efficace, on accroche à la première écoute! On peut dire la même chose de "Next Steps", qui offre une rythmique légèrement plus vive alors que le synthé est plus en mode; décore ton environnement avec des effets d'ésotérisme. Survivante d'une introduction de souffles et de brises creuses, la structure de "A Ninth Member" fait alterner le rythme du séquenceur en mode lento. Lascif et envoûtant, avec ces nappes de brumes soufflées par ces brises du néant, le rythme galope suavement avec un peu plus d'excitation avant de se heurter à une finale légèrement trop hâtive. Ambiante avec de légères brises rythmiques, la musique de "Neptune" reflète fidèlement un décor sonique dont se nourrit notre imagination. Ce n'est pas trop ambiant! Le rythme est lent et flottant, alors que les nappes d'ambiances se partagent effets galactiques et nappes de voix éteintes. Plus long titre de “Space Collection”, "Arthur's Journey Continues" s'extirpe de son dense cocon d'ambiances afin d'offrir du bon mid-tempo emmitouflé d'éléments cosmiques. Le style IDM n'est pas vraiment loin de ce titre. "The Change" est un autre très bon titre. Son rythme part du point A pour se rendre au point Z sans interruption. Des nappes de voix caressent le mouvement hybride du séquenceur, qui est bien appuyé par de sobres percussions électroniques, alors que le synthé délie de bons solos harmoniques que l'on peut siffler avec aise. Et si les effets de gaz cosmiques sont appréciés, ceux d'éléments stroboscopiques feutrées le sont tout autant. Le mouvement de "Deep Field" se situe entre "Distance" et "A Ninth Member" dans une proportion plus vive et soutenue. Et pas d'introduction d'ambiances! Mais le charme premier de ce titre se situe dans son approche très mélodieuse. C'est le genre de truc qui nous colle dans les oreilles, alors que les effets cosmiques et sa très grande variété nous rappelle les moments ingénieux de Jean-Michel Jarre. "Pulsar" parvient aussi à se détacher des autres structures de rythme avec un mid-tempo qui flirte avec le genre up-tempo. De la bonne IDM quoi! Johan Tronestam offre de belles phases harmoniques tandis que la structure de rythme s'organise pour nous charmer encore plus avec des développements toujours aussi séduisants. C'est sans doute le titre le plus sobre de “Space Collection” qui se termine avec "The Viewer's Mind" et son approche vivante qui nous plonge littéralement dans ce que Jarre aurait dû et aurait faire pu faire suite à Chants Magnétiques. Quoique j'ai vraiment aimé la période de Zoolook à Chronologie. Et personne aurait pu dire que le synthésiste français n'évolue pas, tandis que Johan Tronestam se plait dans ces structures que se ressemblent et qui pourtant se distancent.
Avec un peu plus d'audace et de créativité dans la façon d'élaborer ces rythmes électroniques, Johan Tronestam réussit toujours à unir ses rythmes captivants à des ambiances et des mélodies qui surprennent et séduisent. Un très bon album de rock cosmique poétique et romancé du style French School.
Sylvain Lupari 09/11/2017

mardi 7 novembre 2017

SKY BURIAL: Chapel Image (2017)

“Very dark with spectral noises ,one listens to Chapel Image alone maybe, but not alone and in the dark”
1 Chapel Image 45:27
Wrotycz Records | WRT028 (CD 45:27)
(Dark ambient, Industrial, Drones)
I didn't have no more news from Michael Page further to his somber and intriguing There I Saw the Grey Wolf Gaping, appeared in 2012. Although the style Dark Ambient is studied, detailed and literally invading since the last decades, the musician without address had succeed to bring the music of this album towards a level of Mephistophelian atmospheres which suited admirably well to the name of his project. Since then, Sky Burial made 6 albums and all were published by various labels. In fact, the great majority of Sky Burial's albums, I have counted 16, found different labels on to be heard. “Chapel Image” was realized on the Polish label, Wrotycz Records, which specializes in Dark Ambient, Industrial and Neo-folk music. A label made for Michael Page and the music of his last album!
Distant winds rise with iodized murmurs, bringing an anabatic mass and dusts of glasses which sparkle like a crystal choir that is crumbling. Blowing the hot and the cold on an ambient music where the elements fool the senses,
Sky Burial raises a soundtrack with urban elements, I think in particular of plane reactors' winds, others more organic, like those long gargantuan groans, which are exchanging threats by the means of the imps of Aeolus. Sounds of footsteps, mechanical jingles, rustling of wind on an irregular asphalt, waves of Mistral and hootings of draft coming from the abysses of the earth are so many elements that my senses detect and interpret in this long movement where the nuances ask for an attentive listening before being revealed. And nevertheless, the music of “Chapel Image” is everything, except discharged of interests. The winds are of an incredible violence, a little as if Satan was capable of blowing the anger of Aeolus with an unsuspected power. These winds which by-pass, as infiltrate, monuments of priesthoods as other abandoned saint places, crown also some nice ambient rhythmic patterns which remind to us that the very black music of Sky Burial possesses a soul, a life. And that could be mine, like yours. And at the very end, I have loved these very dark ambiences of this fascinating sardonic liturgy which is “Chapel Image”. The sound is rich and powerful, my ears have even continued to buzz after a listening, and the winds overflow with anger while being filled up by metallic tones. And the fact that the music of this Michael Page's 16th opus follows one long road of breaths, of whirlwinds and of mad vibes from Aeolis on an uninterrupted music track, gives the latitude necessary to the musician who crosses continents like his winds to well develop the 45 minutes of this album. And no, these minutes do not pass in a gust of wind. They are meticulously developed, going from dark openings to corridors of disused industrial parks and to areas of turbulences. So bringing together opposed elements and particles, but which welded together give a solid work of industrial Dark Ambient style. To listen to with good earphones. Alone maybe, but not alone and in the dark!
Sylvain Lupari (November 7th, 2017) *****
You will find a way to order this album on
Wrotycz Records webshop
Je n'avais plus de nouvelles de Michael Page suite au sombre et intrigant There I Saw the Grey Wolf Gaping, paru en 2012. Bien que le style Dark Ambient soit étudié, approfondi et littéralement envahissant au cours des dernières décennies, le musicien sans adresse avait réussi à amener la musique de cet album vers un niveau d'ambiances Méphistophéliques qui concordaient admirablement bien avec le nom de son projet. Depuis, Sky Burial a réalisé 6 albums et tous ont été publié par différents labels. En fait, la grande majorité des albums de Sky Burial, j'en ai compté 16, ont trouvé des labels différents afin de se faire entendre. “Chapel Image” fut réalisé sur un label Polonais, Wrotycz Records, qui se spécialise dans le Dark Ambient, l'Industriel et le Néo-Folk. Un label sur mesure pour Michael Page et son dernier album.
Des vents lointains s'élèvent avec des murmures iodés, amenant une masse anabatique et des poussières de verres qui scintillent comme une chorale de cristal s'émiettant. Soufflant le chaud et le froid sur une musique d'ambiances où les éléments leurrent les sens, Sky Burial hisse un montage sonore avec des éléments tant urbains, je pense notamment à des vents de réacteurs d'avion, à d'autres plus organiques, comme ces longs râles gargantuesques, qui s'échangent des menaces avec l'aide des diablotins d'Éole. Des bruits de pas, des cliquetis mécaniques, des froissements de vent sur un bitume irrégulier, des vagues du Mistral et des ululements de courant d'air venant des abysses du de la terre sont autant d'éléments que mes sens détectent et interprètent dans ce long mouvement où les nuances demandent une écoute attentive avant d'être décelées. Et pourtant, la musique de “Chapel Image” est tout, sauf destituée d'intérêts. Les vents sont d'une violence inouïe, un peu comme si Satan était capable de souffler la colère d'Éole avec une puissance insoupçonnée. Ces vents qui contournent, comme infiltrent, des monuments de sacerdoces comme d'autres lieux saint abandonnés, couronnent aussi des motifs de rythmes ambiants qui nous rappellent que la musique noire de Sky Burial possède une âme, une vie. Et ça pourrait être la mienne, comme la vôtre. J'aime ces ambiances très ténébreuses de cette fascinante liturgie sardonique qu'est “Chapel Image”. Le son est riche et puissant, mes oreilles ont continué de bourdonner après l'écoute, et les vents débordent de colère tout en étant gavés de tonalités métalliques. Et le fait que la musique de ce 16ième opus de Michael Page suit une longue route de souffles, de tourbillons et de ventosité sans interruption, donne la latitude nécessaire au musicien qui traverse les continents comme ses vents pour bien élaborer les 45 minutes de “Chapel Image”. Et non, ces minutes ne passent pas en coup de vent. Elles sont minutieusement élaborées, passant des ouvertures ténébreuses à des corridors de zone industrielles désaffectées et à des zones de turbulences. Colligeant ainsi des éléments et des particules aux opposées mais qui soudés ensemble donnent une grande œuvre de musique du style Dark Ambient industrielle. À écouter avec des bons écouteurs. Seul peut-être, mais pas seul et dans le noir!

Sylvain Lupari 07/11/2017

lundi 6 novembre 2017


“Simply majestuous in its enveloppe of deep spacey vibes and neo-psybient with an incredibly rich sonic toudra, Derelicts meets all my expectations. Intense and...intense!”
1 Accede 5:43
2 Derelicts 6:12
3 Clouds 4:30
4 Nattväsen 5:38
5 Equilibrium 8:56
6 Path of Least Resistance 6:40
7 780 Days 6:16
8 ~42° 4:55
9 Rayleigh Scatterers 5:12
10 Dodecahedron 8:43
11 Loss Aversion 5:12
12 Everwave 14:21

CBL Music (78:35)
(Psybient, down-tempo, cosmic ambient music)
For the fans of psybient and down-tempos, a Carbon Based Lifeforms' new release is a festivity for the ears, a new sound paint on the walls of our listening room. Two of the Swedish masters in the art of building soundscapes of an instrumental enchantment which allies the Scandinavian coldness and those a little more cosmic to forms of rhythms as smooth as slow, sometimes even firm beats, the duet Johannes Hedberg and Daniel Segerstad offers here a very solid opus with a sonic envelope as so unique as delicious which are like sound tales with very poignant orgasmic crescendos.
And "
Accede" doesn't waste time too much in order to put our ears in appetite. The rhythm is livened up with good percussions and bass pulsations which are stimulated by stroboscopic strands. This fusion of rhythmic entities is carefully draped by multilayers of synth in the colors of the prism. A sober entrance which aims to be very inviting in this abounding universe of sounds and ambiences which is “Derelicts”. The title-track rises to our ears with a very good down-tempo which is set on very nice and bewitching impulses of a well molded bass line. The stellar strata which encircle the music and structure the ambiences are weaved by thin lines of celestial voices. We even hear murmurs occasionally as well as narrations in Swedish. If the effects of psybient place the music of Carbon Based Lifeforms where it should be, the layers of guitars which roll innocently add a little more to this impressive sound flora which is rather harmonious. But the percussive effects! They are rich and joyous, here as everywhere in “Derelicts”, feeding a structure which increases slightly the pace in its second phase. A wonderful piece of music which allies esotericism and sensuality. You don't know yet the universe of CBL? Start with this title! We dive into the meditative celestial bodies of the album with "Clouds" whose music, rich with its effects of atmospheres, represents with dignity the spirit of its title. The wealth of CBL music is situated at the level of details and of creativity around its phases of ambiences, as around the magnificent ethereal melody of "Nattväsen". Livened up by the reflections of the sequences' lapping, the melody swirls like the one that we find in the small ballerinas which decorate our night tables. A soft line of bass espouses the rolls of the sequences while the percussions structures a mid-tempo as fluid as nervous. The synth strata shine with their aggressive colors while the voices, the murmurs and the talks are divided between virginal voices and a more aged one always exposing these contrasting fluids which make the charms of the neo-psychedelic universe of the down-tempos from Johannes Hedberg and Daniel Segerstad. "Equilibrium" offers another introduction of ambiences with a bass line which mumbles under a sky densely decorated by multilayers of synth in moiré colors The music gains in intensity and so respects our expectations with the so desired hatching of a good down-tempo, a little in a Hip-Hop style, solidly anchored by good percussions. Still here the effects, as organic as percussive or words, enhance the already rather abundant colors of "Equilibrium".
Path of Least Resistance" is a real storm of sounds, hidden murmurs and different effects trapped in a huge pile of synth lines. These vibes greatly seraphic pour, like waters of an enchanted brook, towards "780 Days". This title is another mini nirvana from “Derelicts”. Hidden under a dense sound tundra, the ambiences are buried by a thick cloud of lines in colors as scarlet as these chirping of phantasmagorical birds in their housing of emerald. A movement of sequences draws a delicate phase of harmony which sparkles and oscillates by waltzing with their shadows. These elements weave a emotional phase whose crescendo is rather poignant. A bass line forges a slow tempo which inhales as the heart of an ogre master of the place. And suddenly, no more breaths! Only this fauna of sounds which sparkle between our ears, always very comfortable with this mass of lines in the colors of the Eden. A stroboscopic friction hangs on to our lobes of ear while the percussions tumble with heaviness. While I swear to hear riffs of guitar, the synthesized melody rolls in loops with its shadow, creating a harmonious overload which will become even denser as "780 Days" takes refuge towards finale. Intense! And CBL starts the meter to zero with a title of spacey vibes in "42 °". Then "Rayleigh Scatterers" follows with a huge tempest of winds and drones where hangs onto it a down-tempo as fragile as the melody strummed on a keyboard of glass. A suave synth voice coos in the background, adding a touch of sensualism to the esoteric ideology of the title. And like in "780 Days", the first moments of "Dodecahedron" decode a veil of ambiences before the title strikes us with a 2nd part which is just as much remarkable. "Loss Aversion" is of the same level of intensity, except that the rhythm is as well heavy as slow and pierces us of an incredible overload of emotions. This title is to “Derelicts” what the incredibly overwhelming Last Step in Vacuum was to the astonishing Until We Meet the Sky by Solar Fields. "Everwave" covers this overload of emotion with a long phase of ambient moods which stimulates our appetite to re-hear this Carbon Based Lifeforms' last monument in music.

Sylvain Lupari (November 6th, 2017) ****½*
You will find this album on the Carbon Based Lifeforms' Bandcamp

Pour les amateurs de psybient et de down-tempos, une nouvelle parution de Carbon Based Lifeforms est une fête pour les oreilles, une nouvelle peinture sonique sur les murs de nos salles d'écoute. Deux des maîtres Suédois dans l'art de construire des paysages sonores d'une féérie instrumentale qui allie les froideurs scandinaves et celles un peu plus cosmiques à des rythmes aussi suaves que lents, parfois même engagés, le duo Johannes Hedberg et Daniel Segerstad offre ici tout un album avec une enveloppe sonore aussi unique qu'exquise qui se déroule comme des contes soniques avec de poignants crescendos orgasmiques.
Et "Accede" ne perd pas trop de temps pour mettre nos oreilles en appétit. Le rythme est animé avec de bonnes percussions/pulsations basses qui sont stimulées par des filaments stroboscopiques. Cette fusion d'entités rythmes est soigneusement drapée par des multicouches de synthé aux couleurs du prisme. Une entrée sobre qui se veut très invitante à ce foisonnant univers de sons et d'ambiances qu'est “Derelicts”. La pièce-titre monte à nos oreilles avec un très bon down-tempo monté sur de belles et ensorcelantes impulsions d'une ligne de basse bien moulée. Les nappes stellaires qui ceinturent le morceau et structurent les ambiances sont tissées avec des filets de voix célestes. On entend même des murmures à l'occasion ainsi que des récitations en Suédois. Si les effets de psybient place la musique de Carbon Based Lifeforms là où elle se doit, les nappes de guitares qui roulent innocemment ajoutent un plus à cette impressionnante flore sonique tout de même assez harmonique. Mais les effets percussifs! Ils sont riches et jouissifs, ici comme ailleurs dans “Derelicts”, alimentant une structure qui augmente légèrement la cadence en 2ième phase. Un superbe titre qui allie ésotérisme et sensualité. Vous ne connaissez pas l'univers de CBL? Commencez par ce titre! Nous plongeons dans les astres méditatifs avec "Clouds" dont la musique, riche avec ses effets d'ambiances, représente dignement l'esprit de son titre. La richesse de la musique de CBL se situe au niveau des détails et de la créativité autour de ses phases d'ambiances, comme autour de la splendide mélodie éthérée de "Nattväsen". Animée par les reflets des clapotis des séquences, la mélodie tournoie comme celle que l'on trouve dans les petites ballerines qui décorent nos tables de nuit. Une douce ligne de basse épouse la rotation des séquences alors que des percussions structures un mid-tempo aussi fluide que nerveux. Les nappes de synthé rayonnent de leurs couleurs agressives alors que les voix, les murmures et les causeries sont divisés entre voix virginales et narratrices, exposant toujours ces fluides contrastant qui font les charmes de l'univers des down-tempo néo-psychédéliques de Johannes Hedberg et Daniel Segerstad. "Equilibrium" offre une autre introduction d'ambiances avec une basse qui marmonne sous un ciel densément décoré de multicouches de synthé aux couleurs moirées. La musique gagne en intensité et respecte nos attentes avec l'éclosion souhaitée d'un bon down-tempo un peu Hip-Hop solidement ancré par de bonnes percussions. Encore ici les effets, tant organiques que percussifs ou vocables, rehaussent les couleurs déjà assez foisonnantes de "Equilibrium".
"Path of Least Resistance" est une véritable tempête de sons, de murmures cachés et d'effets trappés dans un vaste empilement de lignes de synthé. Ces ambiances grandement séraphiques se versent, comme les eaux d'un ruisseau enchanté, vers "780 Days". Ce titre est un autre mini nirvana dans “Derelicts”. Cachées sous une dense toundra sonique, les ambiances sont ensevelies par une nuée de lignes aux couleurs aussi écarlates que ces pépiements d'oiseaux fantasmagoriques dans leur habitat d'émeraude. Un mouvement de séquences dessine une délicate phase d'harmonie qui scintille et oscille en valsant avec leurs ombres. Ces éléments tissent une phase émotive dont le crescendo est assez poignant. Une ligne de basse forge un tempo lent qui respire comme le cœur d'un ogre maître des lieux. Et subitement, plus de respirations! Seulement cette faune de sons qui pétillent entre nos oreilles, toujours très confortables avec cette masse de lignes aux couleurs de l'Éden. Un frottement stroboscopique s'accroche à nos lobes d'oreille alors que les percussions déboulent avec lourdeur. Alors que je jure entendre des riffs de guitare, la mélodie synthétisées roule en boucle avec son ombre, créant une surcharge harmonique qui deviendra encore plus dense à mesure que "780 Days" se réfugie vers sa finale. Intense! Et CBL repart le compteur à zéro avec un titre d'ambiances en "~42°". Puis "Rayleigh Scatterers" suit avec vents et drones où s'accroche un down-tempo aussi fragile que la mélodie pianotée sur un clavier de verre. Une voix suave roucoule en arrière-plan, ajoutant une sensualité à l'idéologie ésotérique du titre. Et comme dans "780 Days", les premiers instants de "Dodecahedron" décodent un voile d'ambiances avant que le titre ne nous foudroie avec une 2ième partie toute aussi saisissante. "Loss Aversion" est du même niveau, sauf que le rythme est aussi lourd que lent et nous transperce d'une incroyable surcharge d'émotions. Ce titre est à “Derelicts” ce que l'incroyable Last Step in Vacuum était au mirifique Until We Meet the Sky par Solar Fields. "Everwave" recouvre ce trop-plein d'émotion avec une longue phase d'ambiances qui stimule notre appétit à réentendre ce monument de Carbon Based Lifeforms.

Sylvain Lupari 05/11/2017