lundi 18 septembre 2017

ROBERT SCHROEDER: D.MO Vol.4: Harmonic Decadence (2017)

“The music of Harmonic Decadence is as much magnificent as its tone which places the album in these years where the imagination has opened the door to a universe of one thousand fantasies”
1 Harmonic Decadence Side-A 23:56
2 Harmonic Decadence Side-B 25:19

Spheric Records | SMCD 2037 (CD49:15) *****
(Berlin School)
Robert Schroeder shook slightly the temples of EM in 1979 with the excellent Harmonic Ascendant. What the public did not know until today, but there were rumors at that time, was the story behind this album. The first recording of Robert Schroeder was in reality Harmonic Decadence which was recorded in the same studios, Panne-Paulssen in Frankfurt in 1978. Its tone, too electronic, hasn't pleased at all the big bosses of IC/WEA. Schroeder thus returned to the same studios and worked on what was going to become the imprint of the musician from Aachen on the chessboard EM with Harmonic Ascendant. The recordings of Harmonic Decadence were forgotten then finally lost in time until Robert Schroeder begins to search his memoirs and tapes in his vaults. The results of this search were going to be translated into a series entitled D.MO, for Demo. A series which was expected for the fans of this brilliant sound and instruments designer well before D.MO Vol 1, released in 1998, and which also contained recordings of the 78 year. The initial idea behind this dust removal of Robert Schroeder's old recordings was to restore them in their origin tones and sounds without retouches, except for “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” which was remasterised in the spirit of that era. The peak of Harmonic Ascendant was without any doubt its very long and how much magnificent title-track. Future Passing By and The Day After X were two more avant-gardist titles with its lot of effects and a good use of the vocoder. It's mainly the fragrances of those 2 tracks which blow over the first track, while the second one inhales those of the wonderful Harmonic Ascendant. And in the end of the day, “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” turns out to be a completely unexpected surprise which is going to please undoubtedly to the fans from the very beginning of Robert Schroeder.
Floating layers, electronic effects and murmurs of vocoder arouse the curiosity of our ears and comfort a wait which was very high, considering the impact of
Harmonic Ascendant in the history of modern EM. The sound aestheticism of Robert Schroeder is anchored well and truly in the harmonious descent of "Harmonic Decadence A Side-A" which sounds literally as in the modernist universe of the Face B in Harmonic Ascendant. The movement of the sequencer is more fluid here, being even situated between the movements of Future Passing By and The Day After X. Minimalist and very melodious, the rhythm is waving with its magnetizing effect while of all the pores of "Harmonic Decadence A Side-A" comes its lot of effects and murmurs from this synth which mix brilliantly its effects and solos. No doubt, we are in the lands of Harmonic Ascendant. "Harmonic Decadence Side-B" revisits its younger brother with an enhanced pace while surfing on the more livened up portion Harmonic Ascendant's title-track. The bouquet is very retro Berlin School with this clearly felt influence of Klaus Schulze on Robert Schroeder. The solos of synth are superb here, the effects are well measured and put an emphasis on the presence of the synth while the rhythm is as much animated as in la belle époque. Little by little this rhythm becomes breathless by the race of the sequences and lean on a slow structure which is very similar in The Day After X, effects in more.
I am very surprised that the management of IC/WEA disregarded Harmonic Decadence, considering the crazy adventures of
Klaus Schulze in Timewind, Moondawn and Body Love. The only difference between this Harmonic Decadence and Harmonic Ascendant is the very romantic approach of its title-track. But no matter, the important is that the recordings of its predecessor was found, because my ears have devoured a splendid music here. If I always have a drawback regarding these archaeological digs of the pioneers of the art, any forms included, I welcome with enthusiast this brilliant recording lost in time. The music of “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” is as much magnificent as its tone which places the album in these years where the imagination has opened the door to a universe of one thousand fantasies. This is what I call an unavoidable, a must!

Sylvain Lupari (September 18th, 2017)
synth&sequences.com
One find sthis album on CD Baby and on the Spheric Music shop here 
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Robert Schroeder secouait légèrement les temples de la MÉ en 1979 avec la parution de l'excellent Harmonic Ascendant. Ce que le public ne savait pas jusqu'à aujourd'hui, mais il y avait des rumeurs à l'époque, était l'histoire derrière cet album. Le premier enregistrement de Robert Schroeder était en réalité Harmonic Decadence qui fut enregistré dans les mêmes studios, soit le Panne-Paulssen à Frankfurt en 1978. Sa sonorité, trop électronique, ne plaisait pas du tout aux décideurs de IC/WEA. Schroeder retournait donc dans les mêmes studios afin de travailler sur ce qui allait devenir l'empreinte du musicien d'Aachen sur l’échiquier la MÉ avec Harmonic Ascendant. Les enregistrements de Harmonic Decadence ont été oublié puis finalement perdu dans le temps…jusqu'à ce que Robert Schroeder commence à fouiller dans ses mémoires et ses voutes. Les résultats de cette fouille allaient se traduire en une série intitulée D.MO, pour Démo. Une série qu'attendait les fans de ce brillant concepteur bien avant D.MO Vol.1, lancé en 1998 et qui contenait aussi des enregistrements de l'année 78. L'idée de départ derrière ce dépoussiérage des vieux enregistrements de Robert Schroeder était de les restituer dans leurs tonalité d'origine et sans retouches, sauf pour “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” qui a été remasterisé dans l’esprit de l'époque. Le point culminant de Harmonic Ascendant était sans nul doutes sa très longue et combien superbe pièce-titre. Future Passing By et The Day After X étaient deux titres plus avant-gardistes avec beaucoup d'effets et une bonne utilisation du vocodeur. Ce sont les ambiances de ces 2 titres qui soufflent sur “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence”, une surprise tout à fait inattendue qui va plaire assurément aux fans de la première heure de Robert Schroeder.
Des nappes flottantes, des effets électroniques et des murmures de vocodeur attisent la curiosité de nos oreilles et réconfortent une attente qui était très élevée, considérant l’impact de
Harmonic Ascendant dans l'histoire de la MÉ moderne. L'esthétisme sonore de Robert Schroeder est bel et bien ancré dans la descente harmonique de "Harmonic Decadence Side-A" qui sonne littéralement comme dans l'univers moderniste de la Face B de Harmonic Ascendant. Le mouvement du séquenceur est plus fluide ici, se situant même entre les mouvements de Future Passing By et The Day After X. Minimaliste et très mélodieux, le rythme ondule avec son effet magnétisant alors que de toutes les pores de "Harmonic Decadence Side-A" fusent des effets et murmure ce synthé qui mélangent merveilleusement ses effets et solos. Aucun doute, nous sommes dans les terres de Harmonic Ascendant. "Harmonic Decadence Side-B" revoit son petit frère en mode accéléré tout en surfant sur l'accélération de la portion plus animée de la pièce-titre de Harmonic Ascendant. Ça fait très Berlin School rétro avec cette influence nettement sentie de Klaus Schulze sur Robert Schroeder. Les solos de synthé sont superbes ici, les effets sont bien dosés et accentuent la présence du synthé alors que le rythme est aussi entraînant qu'à labelle époque. Peu à peu ce rythme essouffle la course des séquences pour s'appuyer sur une structure lente qui est très similaire à The Day After X, effets en plus.
Je suis très surpris que les dirigeants de IC/WEA aient levé le nez sur
Harmonic Decadence, considérant les folles aventures de Klaus Schulze dans Timewind, Moondawn et Body Love. La seule différence entre ce Harmonic Decadence et Harmonic Ascendant est l'approche très romanesque de sa pièce-titre. Mais peu importe, l'important est que les enregistrements de son prédécesseur ont été retrouvés, car c'est tout un album que mes oreilles, toutes aussi ébahies que stupéfaites, ont dévoré. Si j'ai toujours un bémol en ce qui concerne ces fouilles archéologiques des pionniers de l'art, toutes formes confondues, j'accueille avec enthousiaste ce brillant enregistrement perdu dans le temps. La musique de “D.MO Vol.4: Harmonic Decadence” est aussi splendide que sa tonalité qui situe l'album dans ces années où l'imagination ouvrait la porte à un univers de mille fantaisies. C'est ce que je nomme un incontournable!

Sylvain Lupari (18/09/2017)

vendredi 15 septembre 2017

ALBA ECSTASY: The Quest (2017)

“Too many minutes of music but still The Quest reveals nearly 45 minutes of solid EM which will please to the fans of Schulze 84-88 era”
1 Beyond The Fog 14:38
2 Silent 4:25
3 About You 7:15
4 The Quest 12:14
5 Legacy of Uranus 11:15
6 Instinct 6:57
7 The Lost Part of a Stellar Symphony 8:12

Alba Ecstasy Music (DDL 45:51) ***½
(Mix of New Berlin and Roumanian Schools)
I'm continuing the sound exploration of the last albums that Alba Ecstasy sent me with “The Quest”, the second album of the Rumanian synthesist in 2017 (the other one being Bionic Memories in January). If I was seduced by the progression and the permutation of the vibes as well as the minimalist rhythms of the Rumanian School on the Synergy and Sublunary albums, I was just as much on this album which also hides beautiful small jewels and a big ONE in the title-track which has literally dragged me towards the furious rhythms of Klaus Schulze in one of his best era of the 80's. But before …
Arpeggios are perforating a barrage of orchestrations, of which the harmonies stroll by going down from heavens, in order to cavort of the tips of their keys on a musical premise tinted by the icy romance of
Crystal Lake. Layers of violins throw an aura of mysticism to this soft movement on where pulses a kind of uncertain bass line which will produce beautiful effects of intensity in the course of the ascent of "Beyond The Fog". Minimalist, the movement is soft and very magnetizing with these layers of metallic drizzle and some rather discreet synth solos. And the collapse of the line of bass, towards the finale, shakes a little the hypnotic torpor of the listener. This line of bass is rather intense here and spreads the mooring lines of tragedy in "Silent", which offers a rather gloomy flavor. A thin line of sequences flows peacefully there, like a suspended brook in some layers that my ears are mistaken with sighs of an old organ. We stay in the lento hypnotic style with "About You" and its effects, its charming solos which go and get in into a languishing wave-like movement. This slow movement of electronic staccato adopts more vigor in the title-track. The Funk beat, the pulsations/percussions in morphic Techno mode and the layers of synth, as well as the solos, which coo like an unrealistic opera make of this title a real tribute to Klaus Schulze. The tempo, slow but lively, bangs between our ears with good percussions and a movement of sequence as lively as fluid which throws a beautiful jerky movement while the bass line lies down its mesmerizing charms. It is, and by far, the best title in “The Quest”, although "Legacy of Uranus" isn't that far from being number one track here.
The structure of rhythm stays in a membrane of ambient moods, but with a clear progression in force and in intensity. Here also the sequences follow one another in a good pace, while staying in a motionless approach. It's the percussive effects and the guttural gurgling which give so much charm and depth to a structure perfumed of the essences of
Inter*Face to En=Trance era. I adored, but I am not difficult to convince when percussive effects get grafted into a good evolutionary minimalist structure. We stay in this period of Klaus Schulze with "Instinct" and its opening which would do great in a good suspense film, otherwise a horror film. Slow and sneaky, the first movement of the sequencer is outclassed by another one where the keys blink swiftly. Percussions knock out this interbreeding of the ambient rhythm, guiding it like the pace of an old ship on the path of the boarding in the same time as Mihail Adrian Simion scatters very good synth solos. "The Lost Part of a Stellar Symphony" concludes an album that I would classified as uneven but all the same rather beautiful with nice orchestrations which spin as slowly than a dying leaf getting loose from the influence of its branch by a cold morning of autumn.
The 65 minutes of “
The Quest” includes nearly twenty in excess. But if we consider that 45 minutes or 65 have no impact on the price of the download, I would conclude that this other Alba Ecstasy's album remains a good choice for the fans of Klaus Schulze, period Angst to Miditerranean Pads.

Sylvain Lupari (September 15th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the Alba Ecstasy Bandcamp page
here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Je continue l'exploration sonore des derniers albums qu'Alba Ecstasy m'a fait parvenir avec “The Quest”, deuxième album du synthésiste Roumain en 2017 (l'autre étant Bionic Memories en Janvier). Si j'ai été séduit par la progression et la permutation des ambiances ainsi que des rythmes minimalistes de la Rumanian School sur les albums Synergy et Sublunary, je l'ai été tout autant sur cet album qui cache aussi de beaux petits joyaux et une grosse pointure en la pièce-titre qui m'a littéralement transporté vers les furieux rythmes de Klaus Schulze dans une des belles périodes des années 80. Mais avant…
Des arpèges percent un barrage d'orchestrations, dont les harmonies flânent en descendant des cieux, pour gambader du bout des notes sur une prémisse musicale teintée de la romance glaciale de Crystal Lake. Des nappes de violons jettent une aura de mysticisme à ce doux mouvement où pulse une ligne de basse toujours incertaine et qui produira de beaux effets d'intensité au fil de l'ascension de "Beyond The Fog". Minimaliste, le mouvement est doux et très magnétisant avec ces nappes de bruine métallisée et des solos de synthé plutôt discrets. Et la débâcle de la ligne de basse, vers la finale, secoue un peu la torpeur hypnotique de l'auditeur. Cette ligne de basse est assez intense ici et étend des amarres de tragédie dans "Silent", un titre qui offre une saveur plutôt morose. Un filet de séquences y coule paisiblement comme un ruisseau suspendu dans des nappes que mes oreilles confondent avec des soupirs de vieil orgue. On reste dans le style lento hypnotique avec "About You" et ses effets, ses solos charmeurs qui vont et viennent sur un langoureux mouvement ondulant. Ce lent mouvement de staccato électronique épouse plus de vigueur dans la pièce-titre. Le beat Funk, les pulsations/percussions en mode Techno morphique et les nappes de synthé, ainsi que les solos, qui roucoulent comme un opéra irréaliste font de ce titre un véritable hommage à Klaus Schulze. Le tempo, lent mais entraînant, cogne entre nos oreilles avec de bonnes percussions et un mouvement de séquence aussi vif que fluide qui lance un beau mouvement saccadé alors que la ligne de basse étend ses charmes envoûtants. C'est, et de loin, le titre canon de “The Quest”, quoique "Legacy of Uranus" n'est pas piqué des vers.

La structure de rythme reste dans une membrane du genre ambiant, mais avec une nette progression en force et en intensité. Ici aussi les séquences se succèdent à une bonne cadence, tout en restant dans une approche stationnaire. Ce sont les effets percussifs et les gargouillements gutturaux qui donnent tant de charme et de profondeur à une structure parfumée des essences de la période Inter*Face à En=Trance. J'ai adoré, mais je ne suis pas difficile à convaincre lorsque des effets percussifs arrivent à se tailler une place dans une bonne structure minimaliste évolutive. On reste dans cette période de Klaus Schulze avec "Instinct" et son ouverture qui irait très bien dans un bon film à suspense, sinon d'horreur. Le lent et sournois premier mouvement du séquenceur est surclassé par un autre où les ions clignotent vivement. Des percussions assomment ce métissage du rythme ambiant, le guidant comme la cadence d'un vieux navire sur le sentier de l'abordage tout en même temps que Mihail Adrian Simion éparpille de très bons solos de synthé. "The Lost Part of a Stellar Symphony" conclut un album que je dirais inégal mais tout de même assez beau avec de belles orchestrations qui virevoltent aussi lentement qu'une feuille mourante se détachant de l'emprise de sa branche par un froid matin d'automne.
Les 65 minutes de “The Quest” en compte une bonne vingtaine de trop. Mais si l'on considère que 45 minutes ou 65 n'ont aucun impact sur le prix du téléchargement, j'en conclurais que cet autre album d'Alba Ecstasy reste une bonne prise pour les fans de Klaus Schulze, période Angst à Miditerranean Pads.

Sylvain Lupari 15/09/2017

jeudi 14 septembre 2017

ALBA ECSTASY: Synergy (2017)

“Among these constant progressions of the minimalist Rumanian School rhythms, Synergy let hear a very sweet new psychedelic frontier which sounds so nice to the ears”

1 Side Effect 4:48
2 Synergy 15:36
3 The Circle 3:36
4 No Tears to Cry 13:01
5 Motricity 8:50

Alba Ecstasy Music (DDL 45:51) ***¾
(Mix of Vintage, New Berlin and Roumanian Schools)
I began back to front. With Sublunary, another Alba Ecstasy's sonic feast. “Synergy” is the 3rd album of the Rumanian synth wizard since the beginning of 2017, and I didn't count in this list the E.P. Seven Earths which was released at the beginning of 2017. If we do the math, "Synergy" went out in June, thus Mihail Adrian Simion produces well and well a complete album of EM in every 2 months. Bah... I have already spoken to you about the prolificacy of this artist so many times, as well as of his talent. This said, know that “Synergy” hides another magnificent marvel of the electronic minimalist art and some rather interesting things to be put in our neurons.
Very undisciplined arpeggios jump in all directions from the opening of "
Side Effect". Resonant pulsations welcome this armada of sound injections with a rhythm of trance which is tempted by the Techno. The chants of the synths are like those of a cardinal which tries his luck with Arabic harmonies. In this conclave of tones and split up harmonies, "Side Effect" sets up a spasmodic approach totally stripped of sensibility. A kind of electronic Trash Hip-Hop where gleam white noises and sound graffiti, even some psychedelic effects as we find almost everywhere in the rather multicolored universe of “Synergy”. And as if this armoring of sounds wasn't enough, Mihail Adrian Simion scatters blades of synth doped by dramatic, otherwise eclectic, effects. A good opening! The title-track possesses the charms of Berlin School with an insane movement of the sequencer which creates a line of circular rhythm swirling. An electronic machine breathes in the background, forging an alarming illusion. While the percussions get graft to this minimalist structure, a very good and creative synth decorates this wild rhythmic anthem with a pond of melodies which belong to the repertoire of the progressive rock world of the 70's. Divided by the rivalry of the fluid sequences and the stoical pulsating beats, the structure of rhythm takes a wilder tangent with a massive arrival of sequences which skip like a thick cloud of blinking of lashes. Playing on the variances of its rhythm, "Synergy" inhales these gargantuan madness of Klaus Schulze in his MIDI era with harmonies and arrangements which gave a soul to the coldness of these new instruments which were going to change the electronic universe forever. Technician and outstanding man of studio, Mihail Adrian Simion manages with a disarming ease this title which seeks for the borders of neo psychedelic.
Is
Alba Ecstasy capable of tenderness? Not completely and it's in this approach of rhythm knotted around multiple minimalist spasms that "The Circle" tries such a movement. I liked it and that does sound very cosmic Indra. "No Tears to Cry" is the highlight of “Synergy”. Its introduction is sculpted delicately by crystalline arpeggios which sparkle like the thousand reflections of Klaus Schulze's Mirage. A pulsating movement propels an impatient, but mainly ambient, rhythm. It's the multiple crisscrossed movements of the sequencer which creates the illusion of fluid rhythm circulating in a gyrating crossroads. Electronic elements instigate our curiosity, such of the rattlers of a shaman who desires the state of hypnosis of his patient. The percussions get in and hammer a linear structure from where escape some nice stroboscopic membranes, while the synth throws at us of wonderful solos, as spectral as cosmic. Alba Ecstasy brings very sensitive nuances to this structure of rhythm which enchants as much as those solos seduce in a vision which also looks for the borders of the new psychedelic. Mesmerizing and I want more! "Motricity" ends “Synergy” with a horde of sequenced arpeggios which teem around the hesitation of a half formed bass line. The movement is spasmodic and rises continual stroboscopic impulses which go and come on the new spasms of a structure which always looks for its hatching. It's what happens at the door of the 3 minutes with the arrival of crazy and agitated percussions which maintain the disheveled structure of "Motricity" in its spasmodic element.
I enjoyed a lot the universe of “
Synergy” another solid album by Alba Ecstasy. Set apart some others delicious minimalist structures of the Rumanian School style, Mihail Adrian Simion injects in this album some psychedelic elements which are well measured and which arouse the curiosity of our ears. As usual, the slow progression of the rhythms and the mergers towards the morphic Techno genre remain mesmerizing. And with the solos which abound here! No doubts, we are in a big Mass of EM …
Sylvain Lupari (September 13th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the Alba Ecstasy Bandcamp page here

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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J'ai commencé à l'envers. Avec Sublunary, une autre gâterie sonique d'Alba Ecstasy. “Synergy” est le 3ième album du synthésiste Roumain depuis le début de 2017, et je n’ai pas compté dans cette liste Seven Earths, un E.P. qui est paru en début 2017. Si on fait le calcul, “Synergy” est sorti en Juin 2017, Mihail Adrian Simion produit un album complet de MÉ à tous les 2 mois. Bah…je vous ai déjà parlé de la prolificité d'Alba Ecstasy depuis longtemps…et de son talent. Eh bien, sachez que “Synergy” cache une autre splendide merveille de l'art minimaliste électronique et quelques trucs assez intéressants à se mettre dans les neurones.
Des arpèges très indisciplinés bondissent en tous sens dès l'ouverture de "Side Effect". Des pulsations résonnantes accueillent cet armada d'injections sonores avec un rythme de trance qui est tenté par du Techno. Les chants des synthés sont comme ceux d'un cardinal qui tente sa chance avec des harmonies arabes. Dans ce conclave de tons et d'harmonies fragmentées, "Side Effect" érige une approche spasmodique totalement dénudé de sensibilité. Un genre de Trash Hip-Hop électronique où pétillent des bruits blancs et des graffitis sonores, de mêmes que certains effets psychédéliques que l'on retrouve un peu partout dans l'univers assez bariolé de “Synergy”. Et comme si ce blindage de sons n'était pas assez, Mihail Adrian Simion éparpille des lames de synthé dopées par des effets dramatiques, sinon éclectiques. Une bonne ouverture! La pièce-titre possède les charmes de la Berlin School avec un démentiel mouvement du séquenceur qui fait tournoyer une ligne de rythme circulaire. Une machine électronique respire en arrière-plan, forgeant une illusion angoissante. Des percussions se greffent à cette structure minimaliste qu'un bon synthé agrémente avec un bassin de mélodies qui appartiennent au répertoire du rock progressif des années 70. Divisée par la rivalité des séquences fluides et des battements pulsatoires stoïques, la structure de rythme prend une tangente plus féroce avec une arrivée massive de séquences qui sautillent comme une nuée de clignotements de cils. Jouant sur les variances de son rythme, "Synergy" respire ces folies gargantuesques de Klaus Schulze dans ses années MIDI avec des harmonies et des arrangements qui donnaient une âme à la froideur de ces nouveaux instruments qui allaient changer l'univers électronique à tout jamais. Technicien et homme de studio hors pair, Mihail Adrian Simion se débrouille avec une aisance désarmante dans ce titre qui cherche les frontières du nouveau psychédélisme.
Est-ce qu'Alba Ecstasy est capable de tendresse? Pas tout à fait et c'est dans cette approche de rythme noué autour de multiples spasmes minimalistes que "The Circle" tente un tel mouvement. J'aime bien et ça fait très Indra cosmique. "No Tears to Cry" est le clou de “Synergy”. Son introduction est délicatement sculptée avec des arpèges cristallins qui scintillent comme les milles reflets du Mirage de Klaus Schulze. Un mouvement pulsatoire propulse un rythme impatient, mais majoritairement ambiant. Ce sont les multiples mouvements entrecroisés du séquenceur qui créent l'illusion de rythme fluide circulant dans un carrefour giratoire. Des éléments électroniques attisent notre curiosité, tel des crotales d'un shaman qui convoite l'état d'hypnose de son patient. Des percussions s'invitent et martèlent une structure linéaire d'où s'échappent de belles membranes stroboscopiques, alors que le synthé nous balance de superbes solos autant spectraux que cosmiques. Alba Ecstasy apporte des nuances très sensibles à cette structure de rythme qui ensorcelle autant que les solos séduisent dans une vision qui cherche aussi les frontières du nouveau psychédélisme. Envoûtant! J'en veux d'autres. "Motricity" termine “Synergy” avec un essaim d'arpèges séquencés qui vibrionnent autour de l'hésitation d'une ligne de basse à moitié formée. Le mouvement est spasmodique et donne naissance à des élans stroboscopiques continuels qui vont et viennent sur les nouveaux spasmes d'une structure qui cherche toujours son éclosion. C'est ce qui se produit à la porte des 3 minutes avec l'arrivée de percussions folles et agitées qui maintiennent la structure échevelée de "Motricity" dans son élément spasmodique.
J'ai bien aimé l'univers de “Synergy”, un autre très bel album d'Alba Ecstasy. Mis à part d'autres succulentes structures minimalistes du style Rumanian School, Mihail Adrian Simion injecte dans cet album des éléments psychédéliques qui sont bien dosées et qui suscitent la curiosité de nos oreilles. Comme toujours, la progression des rythmes et les rapprochements vers le genre Techno morphique reste envoûtante. Et avec ces solos qui abondent ici… Pas de doutes, nous sommes dans une grande messe de MÉ…

Sylvain Lupari 13/09/2017

mardi 12 septembre 2017

ALBA ECSTASY: Sublunary (2017)

“In spite of his so numerous downloadable albums, Alba Ecstasy finds his way to seduce. The title-track of Sublunary is the perfect example”
1 Profane Path 8:31
2 The Third Choice 12:20
3 Sublunary 18:28
4 Immortal 4:24

Alba Ecstasy Music (DDL 43:45) ****
(Mix of Vintage, New Berlin and Roumanian Schools)

I always had a lot of difficulty finding any artistic credibility for those who produces the music at the same pace, or more or less, than a person can sneeze in period of allergy to pollen. And if I was a musician who works hard to produce a quality album, which sometimes can need more than 6 months even one year before being born, I would certainly be very frustrated to notice that I have confers who can arrive at the same result in less than one month of working. Last August, I the last 3 albums from received Alba Ecstasy which were released with one month of interval between each, among which this one; “Sublunary”. Since then, 2 E.P. and 1 compilation have appeared on the Bandcamp site of Alba Ecstasy. I had already thrown this question in order to know if Mihail Adrian Simion, the man behind Alba Ecstasy, is as well talented as very prolific. The answer was yes, otherwise very close, because on each of his album you will find something which will charm you. Like here, on “Sublunary”. And I had a crazy, almost guilty, pleasure during this sound excursion which was so much attractive for the ears than the very interrogative way of doing things by Mihail Adrian Simion
"
Profane Path" starts things up in a very good way! A good movement of dark and supple sequenced rhythm, like those of the vintage years, bites our ears and is driving a minimalist structure which supports good solos of synth drowned in a remote foggy tone. The beat, the music is very catchy, while the melody, which seems to us so far from the action, stays a scenic decoration. Alba Ecstasy puts everything here on the play of the sequencer, a 2nd line of a more melodious rhythm has already appeared, and electronic percussions to decorate a very good structure which will charm undoubtedly the aficionados of retro Berlin School. When Mihail Adrian Simion found his structure of rhythm, he gets dominant. If it was true for "Profane Path", it is just as much for "The Third Choice". This time the structure inhales the contemporary approach of Klaus Schulze with orchestrations and songs of synth which whirl around like leaves in autumn on a rhythmic structure in mode meditative trance. There are many effects on this pulsating rhythm which receives the support of good percussions and pulsations. From repetitive harmonies in mode nightingale to some hoarse reverberations, the synth weaves a rich decoration with harmonious structures which cross their heterogeneousness in a fascinating harmonious chassé-croisé while the minimalist approach of the rhythm goes subtly adrift towards a more stroboscopic phase.
The title-track is the happening of this album! "
Sublunary" evolves with all the known secrets, and some unknown, of EM. Either a nebulous intro, a rhythm in wait with some uncertain sequences and harmonies which are just as much. This long title, strongly soaked in a Indra style, is built in a model of a sonic Tower of Babel where the shambles remains all the same rather coordinated. Arpeggios flutter in these ambiences, multiplying capers which roll on the carpet of the oblivion continuously. These moods are loaded of a metallic mist from where are squeaking singing exercises and sing incomplete arias of operetta. In this ambient tumult, we guess a rhythmic hatching when the orchestrations forge very moderate movements of staccato. And this rhythm arrives after the point of 5 minutes with percussive sequences which structure a motionless rhythmic rodeo. Electronic effects enrich this embryo of rhythm, while quite slowly this pattern of Indra's floating trance is flooded by an avalanche of manual percussions of which every load answers the other one. It is simply succulent to the ears and very magnetizing. And this effect of slow swiftness which bites our hearing quite early in the 18 minutes of the title seduced as much as a hypnotic trance which looks for a dramatic dynamic. Mihail Adrian Simion scatters then his synth solos and brings the emotions of this title towards a hearing pinnacle. The minutes pass with regret. And finally hoarse voices, like didgeridoo incantations, are dressing a finale which seeks for the comfort of a state of ambient music. A wonderful title which throws too much shadow to the liveliness of "Immortal". A short, lively and effective title which should have been in 3rd position, before that "Sublunary" invades our ears which actually feel the need for a pause, if only to appreciate even more the last 18 minutes. A huge title in this other very good album from Alba Ecstasy who still finds this way to seduce in an artistic production of mass!Sylvain Lupari (September 12th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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J'ai toujours eu beaucoup de difficulté à trouver une quelconque crédibilité artistique à ceux qui produise de la musique au même rythme, ou à peu de choses près, qu'une personne peut éternuer en période d'allergie au pollen. Et si j'étais un musicien qui travaille d'arrache-pied afin de produire un album de qualité, qui des fois peut prendre plus de 6 mois voire un an avant de voir le jour, je serais certainement très frustré de constater que j'ai des confères qui peuvent arriver au même résultat en mois d'un mois de travail. En Août dernier, j'ai reçu les 3 derniers albums d'Alba Ecstasy qui sont parus avec une intervalle d'un mois entre chaque dont “Sublunary”. Depuis, 2 E.P. et 1 compilation sont apparus sur le site Bandcamp d'Alba Ecstasy. J'avais déjà lancé cette question à savoir si Mihail Adrian Simion, l'homme derrière Alba Ecstasy, est aussi talentueux que très prolifique. La réponse était oui, sinon très près, parce que sur chacun de ses albums vous allez trouver quelque chose qui vous charmera. Comme ici sur “Sublunary”. Et j'ai eu un plaisir fou, quasiment coupable, lors de cette excursion sonore qui fut autant séduisante pour les oreilles que très interrogative sur la façon de faire les choses de Mihail Adrian Simion…
"Profane Path" démarre les choses en grand! Un bon mouvement de rythme séquencé sombre et souple, comme dans les bonnes années vintage, mord nos oreilles et plante une structure minimaliste qui sert la cause à des solos de synthé noyés dans une lointaine tonalité brumeuse. La musique est accrochante alors que la mélodie, qui nous semble si loin de l'action, reste une décoration scénique. Alba Ecstasy mise ici sur le jeu du séquenceur, une 2ième ligne de rythme plus mélodieux est déjà apparue, et des percussions électroniques pour décorer une très bonne structure qui plaira assurément aux aficionados de la Berlin School rétro. Une fois que Mihail Adrian Simion a trouvé sa structure de rythme, il devient dominant.  Si c'était vrai pour "Profane Path", ce l'est tout autant pour "The Third Choice". Cette fois-ci la structure respire les approches contemporaines de Klaus Schulze avec des orchestrations et des chants de synthé qui virevoltent comme des feuilles en automne sur une structure rythmique en mode trance méditative. Il y a beaucoup d'effets sur ce rythme pulsatoire qui reçoit l'appui de bonnes percussions/pulsations. D'harmonies répétitives en mode rossignol à des réverbérations rauques, le synthé tisse un décor riche avec des structures harmoniques qui entrecroisent leur hétérogénéité dans un fascinant chassé-croisé harmonique alors que l'approche minimaliste du rythme dévie subtilement vers une phase plus stroboscopique.
La pièce-titre est le happening de cet album! "Sublunary" évolue avec tous les secrets connus, et quelques-uns encore inconnus, de la MÉ. Soit une intro nébuleuse, un rythme en attente avec des séquences incertaines et des harmonies qui le sont tout autant. Ce long titre, fortement imprégné du style Indra, est construit dans un modèle de Tour de Babel sonique où le foutoir reste tout de même assez bien coordonné. Des arpèges volètent dans ces ambiances, multipliant les cabrioles qui roulent sur le tapis du néant sans répit. Les ambiances sont bardées d'une brume métallique d'où crissent des vocalises et chantent des arias d'opérette incomplètes. Dans ce tumulte ambiant, on devine une éclosion rythmique lorsque les orchestrations moulent des mouvements de staccato très modérés. Et ce rythme arrive après la barre des 5 minutes avec des séquences percussives qui structurent un rodéo rythmique stationnaire. Des effets électroniques enrichissent cet embryon de rythme, alors que tout doucement ce pattern de transe planante à la Indra est inondé par une avalanche de percussions manuelles dont chaque charge répond à l'autre. C'est délicieux dans les oreilles et magnétisant. Et cet effet de lente vélocité qui mord notre ouïe assez tôt dans les 18 minutes du titre séduit autant qu'une transe hypnotique qui cherche une dynamique dramatique. Mihail Adrian Simion éparpille alors ses solos de synthé et amené les émotions de ce titre vers un pinacle auditif. Les minutes passent avec regret. Et finalement des voix rauques, comme des incantations de didgeridoo, habillent une finale qui cherche le confort d'un état de musique ambiante. Un superbe titre qui jette trop d'ombre à la vivacité de "Immortal". Un titre court, vivant et efficace qui aurait dû se retrouver en 3ième position, juste avant que "Sublunary" n'envahisse nos oreilles qui ont effectivement besoin d'un temps d’arrêt, ne serait-ce que pour apprécier encore plus les 18 dernières minutes. Un titre géant dans un très bon album d'Alba Ecstasy qui trouve encore ce moyen de séduire dans une production artistique de masse!

Sylvain Lupari 12/09/2017

dimanche 10 septembre 2017

JEFFREY KOEPPER: MantraSequent (2017)

“Frankly superb with its mixes of rhythms and phases of ambiences, the magnificent art of analog EM breathes from in each parcels of tones on this other excellent album from Jeffrey Koepper”
1 Parallax 12:42
2 Aura 7:43
3 Mandala 2:09
4 Apparition 10:38
5 Aurora 3:51
6 Gateway 13:48
7 Halo 6:34
8 Equinox 5:46
9 Spectre 4:02

Projekt | PRO341 ( CD/DDL 67:20) *****
(Mix of French and Pacific Schools)
It had been a long time, too long, since I had heard the very stylized music of Jeffrey Koepper. This exceptional artist is part of these pioneers who always believe in the virtues of analog synths and analog instruments. Which makes his music, his sonic prose and tone so unique. So alive! His last offering, offered in manufactured CD and also in download format by the American label Projekt Records, is a journey, segmented in 9 parts, in the heart of the meditative trances with a main skeleton of sequencer which undo a lot of spasmodic hymns as others more peaceful in a pattern of polyrhythmic rhythmic structures which are coated of immersive arrangements. Very livened up by a sequencer with some exceptional tones, “MantraSequent” releases known perfumes, which remain nevertheless forgotten in time, in a contemporary envelope. And a unique thing distances itself from his musical aestheticism; this ease that the American musician has to unite the cosmic essences of the French School, kind of Jarre, Zanov and Space Art, into the Pacific School model where the influences of Steve Roach and Michael Stearns are solidly anchored.
This last
Jeffrey Koepper's adventure begins with the very lively structure of "Parallax". The rhythm is lively and in flame. It evolves by oscillating phases. And its multiple spasmodic rebounds are structuring an effect of rhythmic echo slightly drifting, if not slowly circular. Furious, the sequencer modulates some variations in its tones, as well as in its jerky chords, giving the illusion that two structure of rhythm are merging or dividing in this long unstable rhythmic odyssey. The ambiences are drawn by layers a little bit hoarse which buzz in a circular effect and in small unknown details which push our hearing curiosity to its last limits. These ambiences become more present with the arrival of the percussions which give an effect more in the kind of Dance Music of future to "Parallax". "Aura" follows with a delicious structure of rhythm which is more ethereal. The arpeggios flutter lively like the wings of a hummingbird. They flash and swirl around a rachitic sequenced skeleton which crumbles its sonic keys by interrupted shocks. There is a very vintage spirit behind this title which hooks from the first moments because of the transparency of the sequences which sound like knocks of hammers on an armored glass anvil. Layers of celestial voices accost this other spasmodic structure where the keys get loose to offer a tone more sharpness and more musical in this title which adopts a constant velocity when it goes, with more muffled jumps, into the gargantuan intro of "Mandala".
It's a short moment of celestial rest in the 1st part of “
MantraSequent” because "Apparition" follows with layers which zigzag in effects of mist. A pulsation hesitates in the background and tries to implant a rhythm. In so doing, the structure gambols delicately with more an effect of wandering than of domination. Another structure of sequences decorates the uncertain approach of "Apparition" which seems to be so well in the multiple caresses of the effects of ambient music. But little by little, the structure gets up with the multiplication of the keys which frolic with lightness in a finale which gets more and more furious. This torrent of irascibility pours in the ocean of serenity that is "Aurora". And the rhythmic wheel of “MantraSequent” restarts with the very good "Gateway" of which the wealth lies in the diversity of the sequencer tones and of its percussive effects. We are in the territories of great EM made with the spirit of his first designers. "Halo" is the longest ethereal moment in “MantraSequent”. Ethereal but rich in emotionalism with layers of voices which float with intensity and with a light inflection in its ambient approach. "Equinox" is a wonderful track which seems to be inspired by Steve Roach's more or less ambient rhythms. The structure unwinds two and even three rhythmic patterns which skip in dichotomous phases and in luxurious decoration of meditative moods. And I like this way that Jeffrey Koepper has choose in order to guide the listener towards the finale of his last opus while "Equinox" wades in a brook to go to another very beautiful phase of serenity with the soft "Spectre". This superb album could not have a better finale. Hat to you Jeffrey for this album without flaws. And how not recommend it?
Sylvain Lupari (September 9th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the Projekt Bandcamp page here

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Ça faisait longtemps, trop longtemps, que j'avais entendu la musique très stylisée de Jeffrey Koepper. Cet artiste exceptionnel fait partie de ces pionniers qui croient toujours aux vertus des synthés et des équipements analogues. Ce qui rend sa musique, sa prose et sa tonalité unique. Vivante! Sa dernière offrande, offerte en format CD manufacturé et en téléchargement par le label américain Projekt Records, est un voyage, segmenté en 9 parties, au cœur des transes méditatives avec une ossature principale du séquenceur qui dénoue des hymnes spasmodiques, comme des structures rythmiques plus paisibles et polyrythmiques, qui sont nappées d'arrangements immersifs. Très animé par un séquenceur aux tonalités exceptionnelles, “MantraSequent” dégage des parfums connus, qui restent pourtant oubliés dans le temps, dans une enveloppe contemporaine. Et une chose unique se démarque de son esthétisme musical; cette facilité que le musicien américain à d'unir les essences cosmiques de l'École de France, genre Jarre, Zanov et Space Art, à la Pacific School où les influences de Steve Roach et de Michael Stearns sont solidement ancrées.
Cette dernière aventure de Jeffrey Koepper débute avec la structure très entraînante de "Parallax". Le rythme est vivant et enflammé. Il évolue par phase oscillatoire et ses multiples rebonds spasmodiques structurent un effet d'écho rythmique légèrement planant, sinon doucement circulaire. Endiablé, le séquenceur module des variations dans ses tonalités, de même que dans ses accords saccadés, donnant l'illusion que deux structure de rythme fusionne ou se détache dans cette longue odyssée rythmique mouvante. Les ambiances sont dessinées par des couches un peu rauques qui bourdonnent avec un effet circulaire et de petits détails inconnus qui poussent notre curiosité auditive à ses derniers tranchants. Ces ambiances deviennent plus présentes avec l'arrivée des percussions qui donnent un effet plus dans le genre Dance Music du futur à "Parallax". "Aura" suit avec une succulente structure de rythme plus éthérée avec des arpèges vifs comme les ailes d'un colibri. Ces arpèges clignotent et tournoient autour d'un rachitique squelette séquencé qui émiette ses ions soniques par secousses discontinuées. Il y a un esprit très vintage derrière ce titre qui accroche dès les premiers instants en raison de la limpidité des séquences qui sonnent comme des coups de marteaux sur une enclume en verre blindé. Des nappes de voix célestes accostent cette autre structure spasmodique où les ions se détachent afin d'offrir une tonalité plus acuité et plus musicale à ce titre qui épouse une certaine vélocité lorsqu'il se dirige, avec des bonds plus sourds, vers l'intro gargantuesque de "Mandala".

C'est un court moment de repos céleste dans la 1ière partie de “MantraSequent” car "Apparition" suit avec des nappes qui zigzaguent dans des effets de brume. Une pulsation hésite en arrière-plan afin d'implanter un rythme. Ce faisant, la structure gambade délicatement avec plus un effet d'errance que de domination. Une autre structure de séquences agrémente l'approche incertaine de "Apparition" qui semble trop bien dans les multiples caresses des effets d’ambiances. Mais peu à peu, la structure se lève et se dresse avec la multiplication des ions qui folâtrent avec légèreté dans une finale qui se fait de plus en plus rageuse. Ce torrent d'irascibilité se déverse dans l'océan de sérénité qu'est "Aurora". Et la roue rythmique de “MantraSequent” se remet en marche avec le très bon "Gateway" dont la richesse réside dans la diversité des tonalités du séquenceur ainsi que de ses séduisants effets percussifs. Nous sommes dans les territoires de la très bonne MÉ faite avec l'esprit de ses premiers concepteurs. "Halo" est le plus long moment éthéré de “MantraSequent”. Éthéré mais riche en émotivité avec des nappes de voix qui flottent avec intensité et avec une légère inflexion dans son approche ambiante. "Equinox" est un splendide titre qui semble inspiré des rythmes plus ou moins ambiants de Steve Roach. La structure déroule deux et même trois pattern rythmiques qui sautillent en phases dichotomiques dans un somptueux décor d'ambiances méditatives. Et j'aime cette façon qu'a Jeffrey Koepper de diriger l'auditeur vers la finale de son dernier opus alors que "Equinox" patauge dans un ruisseau pour se diriger vers une autre très belle phase de sérénité avec le doux "Spectre". Ce superbe album ne pouvait avoir une meilleure finale. Chapeau Jeffrey pour cet album sans bavures. Et comment ne pas le recommander?Sylvain Lupari 09/09/2017

vendredi 8 septembre 2017

STEVE ROACH: Nostalgia for the Future (2017)

“Nostalgia for the Future is an album arisen from the feeling of solitude and this can be felt all over this last rather dark journey into the inner mind by Steve Roach”
1 Home Now 19:48
2 The Rising Tide 11:31
3 The Rising Tide Part Two 11:37
4 Inside the Inside 7:43
5 Nostalgia in Waves 8:11
6 For The Future 15:00

Timeroom Editions ‎| TM42 (CD/DDL 73:50) ****
(Deep immersive Ambient Music)
With “Long Thoughts” and “Nostalgia for the Future”, Steve Roach makes a copy/paste of the albums Fade to Grey and Painting in the Dark. These albums released at the very end of 2016 have the same peculiarities and, more or less, the same structures of meditative vibes as “Long Thoughts” and of its unique title, as in Fade to Grey. And like in Painting in the Dark, “Nostalgia for the Future” proposes 6 titles which lengthen its music time of a single second with regard to Painting in the Dark. And the game of comparisons doesn't stop there. Quite the opposite, both albums flirt on the same pattern with as many structures which split into a long mosaic of meditation. But still here, the sculptor of the soundscapes from California succeeds to pull the improbable of this long lineage of meditative ambiences albums by insufflating a little of new in the old. 
"
Home Now" begins with warmness. On a slow and continuous humming, a more musical wave raises the game of the comparisons with a floating movement which pours its moans on this shaded task. If no percussion, or movement of sequences, liven up the ambiences, Steve Roach attributes to his sound reflections some slow winged movements which are propelled by slow ripple effects which roll on an ocean rocked by the hands of Neptune. It's quiet and very serene, besides having a melodious approach as attractive as mysterious. Hollow breezes win in power and smother the lines of melodious song of "Home Now" to empty its finale towards the saga of "The Rising Tide", a more ambient and darker title with harmonies so discreet that they are noticed on the late. The avalanche of the sound layers gives a rather impenetrable approach, dense and heavy from where also escape more lugubrious inhuman thin lines of singing exercises. Note that our friend Steve coats his music here with a fine membrane of white noises, giving a beautiful twilight contrast to the approach always very hollowed of his music. Speaking of which, the heavy moods in "The Rising Tide Part Two" surpasses the qualifier. The pile of synth lines gives an image of magma stopped by some very icy radiations where we can hear the boiling fusion howling to coldness. And from the opening line of "Inside the Inside", “Nostalgia for the Future” goes back into the ambiences of "Home Now" in order to reach a delicious moment of emotionalism with these winged songs which get loose from the long skeleton of hummings. "Nostalgia in Waves" follows with a slow and fascinating undulating movement which is pushed by reverberant waves. It's like to follow the evolution of a rangy hypnotic travel which is sculpted in the skeleton of a drone gliding between two stratospheric layers. "For The Future" ends this last Steve Roach's meditative odyssey with another drifting structure armored of drones which is also split into multiple fragments of serenity and by moments of ambiospherical swells which feed on the tenacity of drones to survive in scattered movements of calm.
Composed and recorded between January and July of this year, “
Nostalgia for the Future” is an album arisen from the feeling of solitude and this can be felt all over this last rather dark journey into mind from Steve Roach. A little darker, as a little more harmonious, but also with an impressive presence of the breaths of sound drones, “Nostalgia for the Future” follows closely the way traced by Painting in the Dark. It's another intimate opus that the musician offers to his fans. I would not say that it is an essential work in Steve Roach's repertoire, but that remains a more lugubrious ambient music with a harmonious side as much imperceptible as very elusive, but especially very fascinating in a decoration which sounds very devastating like the one of a planet which is in its last miles. Effective and very magnetizing, the fans of Steve Roach are going to be feed. Up until the next chapter.
Sylvain Lupari (September 8th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on Steve Roach Bandcamp page here

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Avec “Long Thoughts” et “Nostalgia for the Future”, Steve Roach réalise un copié-collé des albums Fade to Grey et Painting in the Dark. Ces albums réalisés à la toute fin de 2016 ont les mêmes particularités et, à peu de choses près, les même structures d'ambiances méditatives que “Long Thoughts” et de son unique titre, comme dans Fade to Grey. Et comme dans Painting in the Dark, “Nostalgia for the Future” propose 6 titres qui allongent son temps de musique d'une seule seconde par rapport à Painting in the Dark. Et le jeu des comparaisons ne s'arrête pas là. Bien au contraire, les deux albums flirtent sur le même pattern avec autant de structures qui se scindent en une longue mosaïque de méditation. Mais encore ici, le sculpteur des paysages soniques de la Californie réussit à tirer l'improbable de cette longue lignée d'albums d'ambiances méditatives en insufflant du renouveau dans de l'ancien.
"Home Now" débute avec tiédeur. Sur un lent et continu bourdonnement, une onde plus musicale élève le jeu des comparaisons avec un mouvement flottant qui verse ses soupirs sur cette tâche ombragée. Si aucune percussion, ni mouvement de séquences animent les ambiances, Steve Roach attribue à ses réflexions soniques de lents mouvements ailés qui sont propulsés comme de lents effets de vagues qui roulent sur un océan bercé par les mains de Neptune. C'est calme et très serein, en plus d'avoir une approche mélodieuse aussi séduisante que mystérieuse. Des brises caverneuses gagnent en puissance et étouffent les lignes de chant mélodieux de "Home Now" pour verser sa finale dans la saga de "The Rising Tide", un titre plus ambiant et plus sombre avec des harmonies si discrètes que l'on les remarque sur le tard. L'avalanche des couches sonores donnent une approche plutôt impénétrable à ce titre dense et lourd d’où s'échappent aussi des filets de vocalises inhumains plus lugubres. Fait à noter, l'ami Steve enrobe sa musique ici d'une fine membrane de bruits blancs, donnant un beau contraste clair-obscur à l'approche toujours très caverneuse de sa musique. Et lorsque je dis caverneuse, les lourdes ambiances de "The Rising Tide Part Two" surpassent le qualificatif. L'amoncellement des lignes de synthé donne une image de magma stoppé par des radiations glaciales où l'on peut entendre la bouillante fusion hurler de froideur. Et dès la ligne d'ouverture de "Inside the Inside", “Nostalgia for the Future” retourne aux ambiances de "Home Now" afin d'atteindre un savoureux moment d'émotivité avec ces chants ailés qui se détachent de la longue ossature de bourdonnements. "Nostalgia in Waves" suit avec un lent et fascinant mouvement ondulatoire qui est poussé par des ondes réverbérantes. C’est comme suivre l’évolution d'un longiligne déplacement hypnotique qui est sculpté dans l'ossature d'un drone planant entre deux couches stratosphériques. "For The Future" termine cette dernière odyssée méditative de Steve Roach par une autre structure planante et blindée de drones qui est aussi scindée en multiple fragments de sérénité et des moments de houles ambiosphérique qui se nourrissent de la ténacité des drones à survivre aux éparses mouvements de calme.
Composé entre Janvier et Juillet de cette année, “Nostalgia for the Future” est une œuvre née de la solitude et cet état de claustration respire à la grandeur de ce dernier tableau assez obscur de Steve Roach. Un peu plus sombre, comme un peu plus harmonique, mais aussi avec une présence imposante des respirations de drones sonores, “Nostalgia for the Future” suit de près les chemins tracés par Painting in the Dark. C'est un autre opus intimiste que le musicien offre à ses fans. Je ne dirais pas que c'est une œuvre essentielle du répertoire de Steve Roach, mais ça reste une musique d'ambiances plus lugubre avec un côté harmonique aussi insaisissable que très fuyant, mais surtout très fascinant dans un décor aussi bouleversant que celui d'une planète qui en est à ses derniers miles. Efficace et très magnétisant, les fans de Steve Roach sont repus jusqu'au prochain chapitre.

Sylvain Lupari (09/09/2017)

jeudi 7 septembre 2017

STEVE ROACH: Long Thoughts (2017)

“Oh that I would like to give the same words a new dimension like Steve Roach is doing with his ambient music. Like here, like in Long Thoughts”

1 Long Thoughts 73:15
Projekt ‎| PRO343 (CD/DDL 73:15) ****
(Deep immersive Ambient Music)
How to describe “Long Thoughts” without my words turn into the pleonasm? I would like to be like Steve Roach and to write texts on the same theme. Texts which are alike and which nevertheless reveal subtle nuances in the prose and in the choice of the words so that I could captivate and charm constantly my faithful readers. A thing that Steve Roach does since ages and that he still doing with this other journey in the spiritual lands of our subconscious. Nevertheless, this long journey of 73 minutes borrows corridors that we visited repeatedly with albums such as Fade to Gray, Shadow of Time, This Place to Be and the mega 4 CD box Bloodmoon Rising. These transcendental symphonies were all released in 2015 and assured the longevity of ambient works as much immersive, one from the others. We have to think of the Immersion series and of the multitude of albums segmented in several titles and which are also long rivers of meditative atmospheres such as this last Steve Roach's opus. The peculiarity of “Long Thoughts” is to be as much intuitive as its title. I really had this impression to scatter my thoughts in long solitary journeys over a red desert or over a magma frozen in a blue steel. From a simple breeze, a multiplication of layers, quite unique one from the others, irradiates our ears. These layers get tangled and get untie like a thick cloud of shadows practicing diverse sexual intercourses on a reddish mass. They adopt the same tangent, but not the same illusion, and regroup in a sonic heap strongly divided between celestial and sibylline approaches. Some corrosive effects color the depth of the ambient choir with outlines which crackle over the stains of the shadows which are whistling like hollow winds. If there is an effect of harmony, it lives in these layers of white noises which sizzle in symbiosis with a mutation of the dark breezes which turn into bloodless humming. “Long Thoughts” too could have be divided into segments, so much that we feel here a clear detachment between the vibes of these thoughts which can be as much serene than furious. And I liked this fascinating confrontation between these nuances which makes that this other ambient soundscape of Steve Roach looks as much different than its inevitable links between his previous transcendental meditation works which are a part of Steve's DNA and, by ricochet, of his legion of apostles.
Similar but not completely alike to some of Steve Roach's previous works, “Long Thoughts” is like this annual pilgrimage with a musician who knows how to extend the reach of his works beyond the territories of our needs. Similar but not completely, “Long Thoughts” will charm more than one with its strange oratorios which hum in a hallucinating embellishment where the sonic and musical frontiers encircle us like hands caressing our soul, the core of our emotions.
Sylvain Lupari (Septembre 7th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Comment décrire “Long Thoughts” sans que mes mots ne versent dans le pléonasme? J'aimerais être comme Steve Roach et écrire des textes sur le même thème. Des textes qui se ressemblent et qui pourtant révèlent de subtiles nuances dans la prose et le choix des mots de façon à captiver et de charmer constamment mes fidèles lecteurs. Un truc que Steve Roach fait depuis des lunes et qu'il refait encore avec cet autre voyage dans les terres spirituelles de notre subconscient. Pourtant, ce long voyage de 73 minutes emprunte des corridors que nous avons visité à maintes reprises avec des albums tel que Fade to Gray, Shadow of Time, This Place to Be et le méga Bloodmoon Rising. Ces symphonies transcendantales ont tous parus en 2015 et assuraient la pérennité d'œuvres ambiantes aussi immersives les unes des autres. On a qu'à penser à la série Immersion et la multitude d'albums segmentés en plusieurs titres et qui sont aussi de longs fleuves d'ambiances méditatives tel que ce dernier opus de Steve Roach. La particularité de “Long Thoughts” est d'être aussi intuitif que son titre. J'ai vraiment eu cette impression d'éparpiller mes pensées en de longs voyages solitaires au-dessus d'un désert rouge ou d'un magma figé dans un bleu acier. Par une simple brise, une multiplication de couches, toutes aussi uniques les unes des autres, irradie nos oreilles. Ces couches s'entremêlent et se détachent comme une nuée d'ombres pratiquant divers coïts sur une masse rougeâtre. Elles épousent la même tangente, mais pas la même illusion, se détachant pour se regrouper en un amas sonore fortement divisé entre des approches célestes et sibyllines. Des éléments corrosifs teintent la profondeur des chants ambiants avec des contours qui grésillent sur des tâches d'ombres mugissant comme des vents caverneux. S'il y a un effet d'harmonie, elle réside dans ces couches de bruits blancs qui grésillent en symbiose avec une mutation des brises sombres qui deviennent des chants plus exsangues. “Long Thoughts” aurait pu être divisé en segment, tant on sent un net détachement entre les ambiances de ces pensées qui peuvent être autant sereines que rageuses. Et j'aime cette fascinante confrontation entre ces nuances qui fait que cet autre album de masse sonore de Steve Roach parait aussi différent que son inévitable rapprochement entre ces œuvres de méditation transcendantales antérieures qui font partie de l'ADN de Steve Roach et, par ricochet, de sa légion d'apôtres.
Pareil mais pas tout à fait pareil à certaines œuvres antérieures de
Steve Roach, “Long Thoughts” est comme ce rendez-vous annuel avec un musicien qui a su étendre la portée de ses œuvres au-delà des territoires de nos besoins. Pareil mais pas tout à fait, “Long Thoughts” en charmera plus d'un avec ses étranges oratorios qui hument dans un hallucinant décor où les frontières sonores nous cernent comme des mains caressant notre âme, le cœur de nos émotions.

Sylvain Lupari (07/09/2017)

mardi 5 septembre 2017

SASA TOSIC: Circles of Time (2017)

“Sasa Tosic amazes here by the way he builds his compositions which sounds like David Wright in his peak”
1 Modern Ballet 3:43
2 Twentyone Seconds 4:48

3 Infinity Part 1 4:14
4 When this Moment Became True 1:49

5 Circles of Time 5:06
6 Seawalk 5:46
7 Tenthousand Planets 6:27
8 Closer to You 4:22
9 Breakout 1:53
10 Forever Present 5:22
11 Infinity Part 2 5:24
12 Reflecting 3:56
13 Cycles of Life 4:00

Stefan Erbe Music (CD/DDL 56:49) ***½ (Symphonic Electronic Rock)
The proof that any album deserves a 2nd, even a 3rd chance? The 1st time that I listened to “Circles of Time” from the brand newcomer from the Erbe Music label, Sasa Tosic, I was a little surprised by a very film music, the kind that gives you a plentiful of tears in a poignant finale with violins waltzing in heavens, which takes with an electronic rock tangent close to the style of Jerome Froese, with a guitar and percussions which make riffs and jolts, in a second part more in rhythm and noisier of "Modern Ballet". My ears were annoyed by this bend between the sweetness of the dreamy piano and the fury of a not completely accomplished rock, for lack of time. The 2nd time, my ears go up until "Twentyone Seconds" without wanting again to go farther. And bang! By a gloomy Sunday morning of the beginning of September, I was reading my newspaper and I said to myself: why not? It's there that I succumbed to this very good production of the Erbe Music studio. Let's say that the very romantic "Infinity Part 1" helped a lot. And I discovered an album which rich in melodies, in slow rhythms and in arrangements where the cinematographic side goes in transit more pleasantly towards some very sentimental e-rock.
A piano of mist opens the delicate circular melody of "Modern Ballet". The movement is mild and poignant with sighs of violin and arrangements to make a wall cry. We float on the harmonies of the violin and we swirl frivolously on the harmonious carousel of the piano. We are not even reach the 2 minutes' spot that a guitar scribbles this soft illusion of romanticism with heavy riffs which espouse the sighs of orchestrations and point out soloes which go crawling like a threatening shadow. With a pattern which will be familiar to us for the next 50 minutes, "Modern Ballet" goes astray towards a jerky rock where the guitar makes duel with abrupt and convulsive orchestrations. "Twentyone Seconds" approaches our ears with a ghost melody of an oriental savor which sheds tears with an effect of Chinese violin. Pulsations resound in the background, disturbing these esoteric vibes where voices and harmonies are sculpted in symbiosis. The music approaches a slightly more accentuated phase with a structure of rhythm which gallops slowly in a thick coat of orchestrations. Still here, these orchestrations are of silk and are weaved with the aim of raising our hairs from our arms. And if you like the genre, it abounds and fed the numerous heart-rending moments of “Circles of Time”. We stay in a more ethereal tenderness with "Infinity Part 1". This time it's notes of guitar that sigh a very melancholic approach on a bed of clanic percussions. The effects of tenderness are so striking that we just don’t know where to give ear in this music knotted of intrigues of harmonies and of tearful violins on a slow, but delicately lively, rhythm. That works very well with the greyness which paint my windows. The guitar, also an object of omnipresence on this first album of Sasa Tosic, scatters very convincing solos which sound like a good old Mike Oldfield, or yet Brett Snyder. I'm going from surprise to surprise with a title like "When this Moment Became True" and its uncertain approach which looks for the comfort of the symphonic floating style. The title-track turns into melodrama with slow staccato movements which tear up the dense harmonies of the violins. The structure and the arrangements are very intense and especially impenetrable for this structure of rhythm of which the introvert gallop remains flooded in the jolts of the orchestrations. There is this fine melody perched on a vampiric carousel, Halloween style, which doesn't stop to haunt my ears. And the guitar which gets in! In brief, "Circles of Time" waltzes in an approach of movie where the e-rock always remains enclosed by an orchestra of 10 violins and cellos. It's very, but very, intense and I liked it quite easily. "Seawalk" is a beautiful ballad on a heavy and slow rhythm where the guitar and the keyboard harmonize their different. The same goes for "Tenthousand Planets" which is more symphonic on the other hand with a very good final transported by a gust of a slow and jerky beat and where the piano is always losing these bites of melodies. Between a rock heavy and slow and waltzes of violins, "Closer to You" goes down pretty well. Although the kind begins to be more predictable. After the rebel rhythm which embraces a little the kind of Jazz and Lounge of the too short "Breakout", "Forever Present" proposes a nice layer of harmonies on a ballad propelled by sentimental violins. It's a good slow dance with a good guitar which puts me in the moods of the movie Top Gun and of its track Anthem, without the wild rock side. "Infinity Part 2" proposes a structure in movement where the aspects of rock, of ballad and of ambient go in transit on heavy arrangements. After the soft and very light ballad of "Reflecting", "Cycles of Life" sells the last minutes of “Circles of Time” with a music which grows in velocity without ever exceeding these borders that Sasa Tosic keeps jealously into an approach of symphonic ballad.
For a first album, Sasa Tosic amazes by the way he builds his compositions which sounds like David Wright in his peak. “Circles of Time” is an album of electronic symphonic rock rather easy to assimilate, because his author plays constantly with the strings of our feelings with arrangements to make the walls cry. And the production is top notch! At the end, I liked these duels between a sometimes aggressive guitar and a dreamy piano which scatters twigs of harmonies in a dense tapestry of orchestrations. The soft and the hard are confronting each other, adding portions of lively rock and melodies of silk. My tender wife Lise has liked it a lot… that says everything!
Sylvain Lupari (September 5th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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La preuve que tout album mérite une 2ième, voire même une 3ième chance? La 1ière fois que j'ai écouté “Circles of Time” du tout dernier artiste à sortir de l'écurie Erbe Music, Sasa Tosic, j'ai été quelque peu décontenancé par la musique très cinématographique, genre larmes abondantes dans une finale poignante sur des violons valsant dans les cieux, qui prend avec une tangente de rock électronique assez Jerome Froese, avec une guitare et des percussions qui font riffs et saccades, dans une seconde partie plus en rythme et plus bruyante de "Modern Ballet". Mes oreilles étaient agacées par ce virage entre la douceur du piano rêveur et la rage d'un rock pas tout à fait abouti, faute de temps. La 2ième fois, mes oreilles ont été jusqu'à "Twentyone Seconds" sans encore vouloir aller plus loin. Et bang! Par un maussade dimanche matin du début Septembre, je lisais ma Presse et je me suis dit : Pourquoi pas? C'est là que j'ai succombé à cette très bonne production de la maison Erbe Music. Disons que le très romantique "Infinity Part 1" a beaucoup aidé. Et j'ai découvert un album riche en mélodies, en rythmes lents et en arrangements où le côté cinématographique transitait plus agréablement vers du e-rock genre rose-bonbon.
Un piano de brume ouvre la délicate mélodie circulaire de "
Modern Ballet". Le mouvement est délicat et poignant avec des soupirs de violon et des arrangements à faire pleurer un mur. On flotte sur les airs du violon et on tournoie avec légèreté sur le carrousel harmonique du piano. Nous ne sommes même pas à la barre des 2 minutes qu'une guitare barbouille cette douce illusion de romantisme avec de lourds riffs qui épousent les soupirs des orchestrations et déposent des solos aussi rampants qu'une ombre menaçante. Avec un pattern qui nous sera familier pour les 50 prochaines minutes, "Modern Ballet" dévie vers un rock saccadé où la guitare fait duel avec des orchestrations brusques et convulsives. "Twentyone Seconds" aborde nos oreilles avec une mélodie fantôme d'un genre oriental qui verse des larmes avec un effet de violon chinois. Des pulsations résonnent en arrière-plan, dérangeant ces ambiances ésotériques où voix et harmonies sont sculptées en symbiose. La musique aborde une phase légèrement plus accentuée avec une structure de rythme qui galope doucement dans un épais manteau d'orchestrations. Encore ici, ces orchestrations sont soyeuses et tissées dans le but de nous faire lever les poils du bras. Et si vous aimez le genre, elles foisonnent et nourrissent les moments, et ils sont plusieurs, émouvants de “Circles of Time”. Nous restons dans une tendresse plus éthérée avec "Infinity Part 1". Cette fois-ci ce sont des accords de guitare qui soupirent une approche très mélancolique sur un lit de percussions claniques. Les effets de tendresse sont époustouflants et on ne sait plus où donner de l'oreille dans cette musique nouée d'intrigues d'harmonies et de violons pleurnicheurs sur un rythme lent mais délicatement entraînant. Ça fonctionne très bien avec la grisaille qui peinture mes fenêtres. La guitare, aussi un objet d'omniprésence sur ce premier album de Sasa Tosic, éparpille des solos très convaincants qui sonnent comme du bon vieux Mike Oldfield, ou encore Brett Snyder. J'allais de surprise en surprise avec un titre comme "When this Moment Became True" et son approche incertaine qui cherche le confort du style planant symphonique. La pièce-titre verse dans le mélodrame avec de lents mouvements de staccato qui déchirent les denses harmonies des violons. La structure et les arrangements sont très intenses et surtout impénétrables pour cette structure de rythme dont le galop introverti reste noyé dans les saccades des orchestrations. Il y a cette fine mélodie perchée sur un carrousel vampirique à la Halloween qui ne cesse d'hanter mes oreilles. Et la guitare qui s'en mêle! Bref, "Circles of Time" valse dans une approche de film où le e-rock reste toujours enserré par un orchestre des 10 violons et violoncelles. C'est très, mais très, intense et j'ai bien aimé. "Seawalk" est une belle ballade sur un rythme pesant et lent où guitare et clavier harmonisent leur différence. Idem pour "Tenthousand Planets" qui est par contre plus symphonique avec une belle finale transportée par une rafale d'un rythme lent et saccadé et où le piano égare toujours ces brins de mélodies.
Entre un rock lourd et lent et des valses de violons, "
Closer to You" passe assez bien, quoique le genre commence à être plus prévisible. Après le rythme rebelle qui étreint un peu le genre Jazz et Lounge du trop court "Breakout", "Forever Present" propose une belle couche d'harmonies sur une ballade propulsée par des violons à l'eau-de-rose. C'est un bon slow avec une bonne guitare qui me met dans les ambiances du film Top Gun avec le titre Anthem, sans le côté rock sauvage. "Infinity Part 2" propose une structure en mouvement où l'aspect rock, ballade et ambiant transite dans de lourds arrangements. Après la douce ballade très légère de "Reflecting","Cycles of Life" écoule les dernières minutes de “Circles of Time” avec une musique qui pousse en vélocité sans jamais dépasser ces frontières que Sasa Tosic garde jalousement dans une approche de ballade symphonique. Pour un premier album, Sasa Tosic surprend par sa façon de construire ses compositions qui ressemble à du bon David Wright à son sommet. “Circles of Time” est un album de rock symphonique électronique assez facile à assimiler, puisque son auteur joue constamment avec les cordes de nos émotions avec des arrangements à faire pleurer les murs. J'aime ces duels entre une guitare parfois agressive et le piano qui éparpille des brindilles d'harmonies dans un dense vélum d'orchestrations. Le doux et le rude s'affrontent avec des portions de rock enlevant et des mélodies de soie. Ma Lise a aimé…ça dit tout!
Sylvain Lupari 05/09/2017